Archiv für das Monat: März, 2016

Text und Bild im „Raum Lentos“: Das Kunstmuseum hat an Teresa Präauer das kuratorische Konzept herangetragen, mit der Zahl Sieben umzugehen. Norbert Trawöger hat Teresa Präauer getroffen.

Sieben Tage hat die Woche, der Wolf sieben Geißlein und Schneewittchen sieben Zwerge. Sieben Weltwunder kennt die Antike. Sieben ist die „Millersche Zahl“, die besagt, dass ein Mensch gleichzeitig nur bis zu sieben Informationseinheiten in seinem Kurzzeitgedächtnis auffassen kann. In der biblischen „Offenbarung“ hält der Erschaffer, der Schöpfer sieben Sterne in der rechten Hand. Eine schöne Vorstellung, die Teresa Präauer „haptisch-komisch“ fand. Präauer lebt in Wien, schreibt und zeichnet. Wie können Sie Schreiben und Zeichnen zugleich, wird sie gelegentlich gefragt: „Man atmet ja auch dabei“, hält sie entgegen. Der Mensch ist imstande gleichzeitig zu essen und zu atmen. Man müsse sich entscheiden, hat die Künstlerin früher oft gehört. Das absolute Gegenteil trifft für ihren Weg zu, die Dinge kommen immer mehr zusammen. Es fasziniert sie Arbeiten für Museen zu machen, die sehr textlastig sind. Eben im Wissen um die bildnerischen Mittel: „Bildanalyse, das kann ich wirklich“. Präauer hat in Berlin, Salzburg und Wien Germanistik und Malerei studiert. 2012 erhielt sie den aspekte-Literaturpreis für das beste deutschsprachige Prosadebüt, ihren Roman „Für den Herrscher aus Übersee“ (2012). Ihr zweiter Roman „Johnny und Jean“ wurde 2015 für den Preis der Leipziger Buchmesse nominiert und im gleichen Jahr las sie beim Bachmannpreis.

Das Kunstmuseum Lentos hat an sie das kuratorisches Konzept, mit der Zahl Sieben umzugehen, herangetragen. Umgehen heißt, ein Kunstwerk zu schaffen. Ihre Arbeit zeigt sich ab 17. März an der Längsseite des Kunstmuseums. Für die Vorbeigehenden, von Innen nach Außen. „Stars“ ist ein Stück für 7 Monitore, die mit Text und reduzierten grafischen Elementen bespielt werden. Es beginnt schwarz und endet schwarz, wiederholt sich im Loop, denkt nach über Anfang und Ende, Schwarz und Weiß, Tag und Nacht, das Universum und den Sternenhimmel. Präauer bringt ihre Bildschirme zum Sprechen, auch darüber, dass sie Bildschirme sind. Sie denken das Symbol Sieben mit. Sie unterhalten sich darüber, geben einander Regieanweisungen, liefern sich Schlagabtäusche, formieren gemeinsam ein Wort oder nennen etwas einen blöden Spruch. „Dies ist ein Touchscreen. Wenn du ihn berührst, fließt Champagner aus den Wolken.“ Der Screen ist weder berührbar, noch zu einer Reaktion fähig. Es ist ein augenzwinkerndes Umgehen mit der Tatsache, dass unsere Welt von Bildschirmen bestimmt wird, die uns obendrein eine Multifunktionalität suggerieren. Sie können aber ganz vieles nicht. „Das Handy kann mich nicht gut in Ruhe lassen“, sagt die Künstlerin. Unsere Interaktionsfähigkeit scheint uns unbegrenzt und ist doch oft nur Ersatz- und Scheinhandlung. Der Bildschirm ist vorgelagert vor die Welt. Manche Menschen sehen Wunderschönes nur mehr durch den Rahmen des Schirms, der abschirmt: „Sie haben nie das bloße Auge auf was gerichtet“. Genau Schauen hat Präauer durchs Malereistudium gelernt: „Ich bin richtig bildergeil. Ein altes Fotoalbum, das regt mich so auf“. Es bringt sie in Erregung, Aufregung, auch fürs Schreiben. Es hilft konkret zu bleiben.

„Ich bin jemand der die Form, diese Einschränkung liebt, diese aber dann austricksen will“.
Präauer legt sich gern ins Bett des Prokrustes, eine Bettstatt, die für den Riesen viel zu klein ist. Die kreative Leistung, die durch Einschränkung notwendig wird, interessiert sie unglaublich. Sie liebt es konzeptuell und dennoch sinnlich zu arbeiten. Das Poetische und das Analytische spielen immer zusammen. „Stars“ hat sie in einer bestimmten Taktung den sieben Sprechern zugeschrieben. Vielleicht ist es eine Partitur: „Ich habe das im Ohr und habe die unterschiedlichen Sprecher im Ohr“. „Stars“, die Sterne und die Stars. Sieben Sterne können für die Unendlichkeit des Sternenhimmels stehen. Auf Deckengewölben alter Kirchen finden sich geometrische Sternenhimmel, die erst gar nicht so tun als wären sie ein wirklicher Himmel. Sie bilden sich gar nichts auf die Illusion ein, sondern schaffen ein neues Muster, das symbolisch für etwas steht und nicht auf Abbildung aus ist. Wir brauchen uns gar nichts auf unseren subjektiven Standpunkt einzubilden, von dem aus wir den Sternenhimmel sehen, zeichnen. Dieser ist ohnehin von jedem Punkt der Erde anders. Präauer interessiert Kunst zu machen, die berührt, aber gleichzeitig sagt, pass ein bisschen auf. Lass dich reinfallen in die Arbeit, aber da kommt wer, der sagt ganz so ist es nicht. Und letztlich sind Sterne das, womit nicht nur Autorinnen und Autoren im Internet bewertet werden. Sterne auf Amazon heißen, das Buch ist gut oder eben scheiße. Absurd! Präauer hat sich als Reaktion auf diese Online-Bewertungen gedacht, dann sagt doch gleich: „Der Sternenhimmel bekommt von mir ein Like, die Erde zwei, das Gras drei und so weiter. Dann macht doch genauso weiter, ihr Bewerter“.

Es wird auch Nacht ums Lentos sein. Sternenhimmel, die Donau, der Champagner fließt. Man atmet ja auch dabei.

 

RAUM LENTOS
Teresa Präauer
STARS, 2016
Ein Stück für sieben Bildschirme
18. März bis 5. Juni 2016

Mit der magischen Zahl Sieben als Ausgangspunkt unternimmt Teresa Präauer mit uns eine Reise ins System der Sterne. Die präzise gestaltete Textintervention, montiert auf sieben Bildschirmen am Schnittpunkt zwischen öffentlichem und musealem Raum, interagiert und kommuniziert mit den Betrachterinnen und Betrachtern, führt aber im selben Moment einen Dialog mit sich selbst. Es formt sich ein vorwitziges autopoietisches System, das zwischen direkter Ansprache, Diskussion und deskriptiven Passagen auch grafische Referenzen bietet.
Kurator: Magnus Hofmüller

Im April wird im Rahmen der Tanztage im Posthof die „Kurze Abhandlung über das Nichts“ gezeigt. Theresa Gindlstrasser hat im Vorfeld die Tänzerin und Performerin Iris Heitzinger zu Verweigerungsgeste und Absichtslosigkeit befragt und beginnt mit einer längeren Einleitung zum knallenden Nichts.

Die deutsche Sprache bietet bekanntlich viel Möglichkeit zur Substantivierung. Da wird zum Beispiel aus „laufen“ die „Lauferei“, oder irgendjemand ist plötzlich auf dem „Laufenden“. Da kann überhaupt sehr vieles per „-heit“ und „-keit“ und „-ung“ Abstrakta seiner selbst sein. Und obwohl „das Gute, das Wahre und das Schöne“ weder in der Philosophie, noch in der Politik oder Kunst, streitlose Konzepte sind, verstehen wir in der deutschen Sprache in diesen Begriffen sicher nicht nichts. Sondern zumindest streitbare Konzepte. Nicht nichts verstehen wir auch dann, wenn die Rede vom „Nichts“ ist. Eine solche Rede vollführt ja auch den allerfaszinierendsten Knalleffekt der an sich schon so faszinierend knallenden Substantivierungs-Geste. Aus „nichts“ ist urplötzlich „das Nichts“, also zumindest irgendwie „Etwas“ geworden, und das Existenzversprechen, das Substantive (aka alles, was du angreifen kannst) auf uns ausüben, wird Verdammnis zur Positivität.

Weil: Es wäre doch so schön, der Welt ein gellendes „NEIN“ entgegenzuwerfen. Und zwar ein so krass gellendes „NEIN“, dass die Welt daraus nicht noch wieder zumindest irgendwie „Etwas“ machen könnte. Und es wäre so gut, dem Kunstbetrieb als Künstlerin ein gellendes „SO NICHT“ entgegenzuproduzieren. Und zwar ein so krass gellendes „SO NICHT“, dass eine Vereinnahmung durch den Kunstbetrieb gänzlich ausgeschlossen wäre. Aporien des Alltags sind das, und wir begegnen ihnen in der Politik genauso wie in der Kunst. „O Menschheit!“, könnten wir dann seufzen. So seufzt jedenfalls der Notar am Ende der Erzählung „Bartleby der Schreiber“ von Hermann Melville. Und der hat bekanntlich viel Anlass zum Seufzen. Einer seiner Angestellten, der besagte Schreiber, entzieht sich der Verwertungspositivität mittels faszinierend knallender Geste: „I would prefer not to“ sagt er und arbeitet nicht mehr. Oder, entzieht sich dieser Verwertungspositivität nicht, bringt vielmehr die gesamte Szenerie in Unsicherheit.

In der Kunst gibt es viele Versuche, solcherlei ähnlich faszinierend knallende Gesten zu finden, die eine Unsicherheit der Verwertungspositivität anregen mögen. All time best Beispiel: „4’33’’“ von John Cage. In den 4 Minuten 33 Sekunden passiert nicht nichts, passiert Stille, passiert Geräuschkulisse und passiert eine Verunsicherung über den Existenzstatus des Kunstwerkes. Ob das jetzt nichts oder vielmehr Nichts gewesen wäre, diese Frage stellte sich auch bei „Regie 2“ von Monster Truck. Ende 2015 wurde diese Produktion im Rahmen des No-Limits-Festivals in Berlin gezeigt. Das Performance-Kollektiv war schon in vorangegangenen Arbeiten an der Verunsicherung des Regie-Begriffs interessiert gewesen. Dort dann wurde das Publikum, in Erwartung einer Monster-Truck-Produktion, mit einem Bus in ein ganz anderes Theater gefahren und in eine dortige Inszenierung gesetzt.

Iris Heitzinger, die 2005 ihre Tanzausbildung an der Anton Bruckner Privatuniversität abgeschlossen hat, wird im Rahmen der Tanz Tage 2016 im Posthof Linz ihr Stück, oder ihr Experiment wie sie sagt, mit dem Titel „Kurze Abhandlung über das Nichts“ zeigen. Die Produktion, die aber nicht so sehr wiederholbares Bühnenprodukt und vielmehr paradoxe Versuchsanordnung ist, wurde von Heitzinger in Barcelona entwickelt und ebendort uraufgeführt. Mit dem Aufkommen der in Spanien nicht nur sogenannten, sondern wirklich erlebten Wirtschaftskrise, wurden auch die Fördermittel für Kunst und Kultur nicht mehr ausgegeben. Protestiert gegen diesen Umstand haben aber fast ausschließlich die Kunstschaffenden selber, nicht das sogenannte Publikum. Die „Kurze Abhandlung über das Nichts“ antwortet auf besagte Schieflage in zweierlei Hinsicht. Zum einen übt sich Heitzinger darin, in einer knallenden Verweigerungsgeste. Und zum anderen wird das Publikum zu Mit-Agierenden des Abends.

Verweigert wird hier der Bühnenvertrag. So nennt Heitzinger die Erwartungshaltung, eine Produktion sei ein Fertiges, Konsumierbares – das vor einem Publikum nur noch ausgetragen werden muss. Diesen Bühnenvertrag unterläuft „Kurze Abhandlung über das Nichts“, indem Heitzinger den Raum ohne Plan und vor allem, versuchtermaßen zumindest, ohne Erwartungshaltung betritt. Das Publikum wird über die paradoxe Versuchsanordnung in Kenntnis gesetzt. Die Tänzerin wird sich bewegen, wird aber, sagt sie, „jeden Plan, den ich habe, nicht umsetzen“. Wird also immer genau nicht „Etwas“ tun, sondern tänzerisch nichts tun, tanzender weise „das Nichts“ versuchen. Dass sie dabei nicht nichts tut, sondern ganz im Gegenteil versucht, den Raum der Bewegungsmöglichkeiten offen für Zufall zu halten, kommentiert Heitzinger auch selber. In diesen Kommentaren vermag sich das Publikum selbst und den gemeinsamen Raum als einen Ereigniskontext wahrzunehmen.

Improvisation und versuchte Absichtslosigkeit als Geste gegen die Verwertungspositivität einer auf Profit ausgerichteten Kulturindustrie. Und der Versuch, das Publikum nah an das Geschehen heranzuholen, so antwortet die „Kurze Abhandlung über das Nichts“ auf ein erlebtes Desinteresse von Politik und Publikum an der Kunst. Schließlich, so Heitzinger, sei die Kunst doch ein Ort der Zukunfts-Visionen und -Versuche, insofern unbedingt förderungswürdig und dauernd für das Publikum zu öffnen. Die „Kurze Abhandlung über das Nichts“ ist für Heitzinger insgesamt eine Folge jahrelanger Auseinandersetzung mit den Bedingungen von Kunstproduktion. Als einen praktischen Referenzpunkt für ihre Arbeit nennt sie die Improvisations-Konzerte des Pianisten Keith Jarrett. Seine Solokonzerte aus den 70er Jahren, allen voran „The Köln Concert“, sind auch in zunächst absichtslosen Tonfolgen entstanden um sich dann zu einem Stück zu verdichten. Improvisation kann, so Heitzinger, längst vorhandene Perlen von „Etwas“ aus dem „Nichts“ bergen. Wer plant, rechnet mit einer Zukunft und mit ihren Eventualitäten. Wer sich in Absichtslosigkeit übt, versucht sich selbst als Material der Möglichkeiten gehen zu lassen.

Ein theoretischer Referenzpunkt für Heitzinger um diese Art die Zukunft zu denken ist eine Überlegung von Jacques Derrida. Der Unterschied zwischen la futur, als einer erfassbaren, vielleicht planbaren Zukunft, und dem l’avenir, also dem Kommenden, das unversehens auf uns trifft. So versucht die Choreografin und Tänzerin offen zu sein für was da auch immer kommen möge. Und nimmt sich dergestalt als Körper inmitten von Unsicherheit und Verletzbarkeit wahr. Die Hoffnung besteht, dass über dieses öffentliche Austragen der eigenen Ausgesetztheit eine Verbindung zum Publikum entsteht. Und während sie also etwas gibt (eine Bewegung), das sie eigentlich nicht hat (zumindest nicht im Sinne eines vorgestellten Plans) sollen Performerin und Publikum aufeinandertreffen und sich in der je eigenen Verletzbarkeit erkennen. Damit wäre am Ende die Substantivierung umgekehrt. Was „nichts“ war, wurde „das Nichts“ und tritt dann wieder als „nichts“ in Erscheinung, wenn wir sehen, dass wir zwar nicht nichts tun können, trotzdem aber oft aus nichts was wird.

 

Posthof Tanztage, Fr. 08. 04. 2016, 20.00 h
Iris Heitzinger, Kurze Abhandlung über das Nichts
Außerdem an diesem Abend:
Cie. Animus, Blick in die Tiefe
www.posthof.at

… ein Projekt von Studenten der Kunstuniversität Linz, eröffnet nach langer Pause am 3. März wieder seine Pforten. Was ist nun das Raumschiff und wie sieht die anvisierte Entwicklung aus?

Gegründet wurde das Raumschiff bereits 2013. Nach diversen Schwierigkeiten bei der Anmietung der alten Räumlichkeiten am Brückenkopfgebäude/Hauptplatz, konnte nun an anderer Stelle ein langfristiger Mietvertrag mit der Stadt ausgehandelt werden. Die Idee, als Experimentierfeld für junge KünstlerInnen, und gleichsam als Begegnungszone für studentisches Publikum wie auch Laufkundschaft, AbsolventInnen, KollegInnen aus anderen Institutionen und interessierter Kreativ-Crowd zu gelten, wird fortgeführt.

In der neuen Location am Pfarrplatz 18 steht insgesamt eine Ausstellungsfläche von 170 Quadratmetern inklusive Innenhof zur Verfügung. Davon ein Verkaufsraum mit 50 Quadratmetern, der über einen eigenen Zugang verfügt. Der Verkaufsraum wird jungen KünstlerInnen auf Anfrage zeitlich begrenzt zur Selbstverwaltung überantwortet; auf diese Weise hat jeder Interessent die Möglichkeit, seine Werke und Projekte einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Sichtbar machen! ist die populäre Devise mit kulturpolitischer Durchschlagskraft und die persönliche Anwesenheit der Künstler ist ausdrücklich erwünscht.

Da das Projekt von einem Verein betrieben wird und keinen Einschränkungen seitens universitärer oder politischer Institutionen unterliegt, ist der Raum als geöffnet im weiten Sinn zu betrachten, wodurch das Raumschiff als sozialer und kultureller Schwellenraum eine Sonderstellung unter den stadtinternen Veranstaltungszentren einnimmt. Und das ist Raumschiff in erster Linie: Ein Veranstaltungsraum, der in gewisser Weise niederschwellige Zugänge pflegt, was sowohl in der Umsetzung ein schnelles, spontanes Agieren als auch den Kontakt zu einem erweiterten Kreis von Mitwirkenden oder Publikum anbelangt. Das Augenmerk liegt auf interdisziplinärer Zusammenarbeit abseits hierarchischer Strukturen. Vorzugsweise werden Gruppenausstellungen abgehalten, die nicht auf den universitären Rahmen reduziert sind und für potentielle Diskursführung abseits eines etablierten Ausstellungswesens sorgen sollen. Das Programm bleibt dabei nicht auf bildende Kunst beschränkt. Performative Inszenierungen werden ebenso gerne angenommen, wie musikalische Auftritte oder Lesungen. Auch Workshops können abgehalten werden und wer Angebote bereit hält, sollte sich melden. Wenn auch der Ausstellungsraum als Verkaufsraum genutzt werden kann, wird bei Veranstaltungen kein Eintritt verlangt, der Verein gründet nur was Mietkosten betrifft auf Subventionierung, der Betrieb wird durch Spenden aufrechterhalten.

In der Vergangenheit sind bereits eine Vielzahl gewöhnlicher und ungewöhnlicher Veranstaltungen realisiert worden. Bei einem Rückblick sieht man die Behandlung gesellschaftspolitisch relevanter Themen („Speed Integrationing“) neben der Abhaltung konventioneller Zeichenkurse für jedermann oder der Vorführung eines sogenannten Nähmaschinenkonzertes angesiedelt. Zeitgenössische Entwicklungen in Kultur und Gesellschaft, regional bis international, sollen nach wie vor im Raumschiff ihre künstlerische Entsprechung finden. Die pluralistische Schiene wird weitergeführt und auch bereits etablierte Projekte gehen in die nächste Runde.

Zum Beispiel Kinophilia, eine Zusammenkunft von Film-Interessierten über mehrere Tage, an denen unter spontaner Gruppenbildung verschiedene Kurzfilmprojekte umgesetzt und präsentiert werden können. Weiters das Ausstellungsformat random access, das die willkürliche Positionierung des eigenen Werkes im Ausstellungsraum erlaubt. Die Frage nach „richtiger“ Hängung eines Bildes wird hier ebenso konsequent unterlaufen, wie die Kuratorentätigkeit, was den pluralistischen Impetus des Vereins unterstreicht. Durch das Zusammenspiel individueller Positionierungsstrategien wird der Raum schließlich gefüllt, was zu unvorhersehbarer Struktur in der Werkanordnung führt und letztlich eine Ausstellung entstehen lässt, deren Erscheinungsbild unvorhersehbar bleibt. Durch dieses Projekt kann die Ideologie, durch die das Raumschiff getragen wird, am ehesten greifbar werden. Da Kreativität quer durch eine Menge von Berufsparten als obligat angesehen und institutionalisiert wird, mag es passend erscheinen, Eigendynamik zuzulassen. Dem Zufallsmoment im künstlerischen Produktionsprozess wird auf diese Weise der nötige Raum gegeben.
Zudem findet eine Zusammenarbeit mit etablierten Formaten statt. Demnächst mit dem Next Comic Festival, das seit 2009 zum achten Mal in Folge in Linz und Steyr stattfindet. Eröffnet wird das Festival am 11. März ab 18.00 Uhr, im Raumschiff wird bei der Gelegenheit eine Satellitenausstellung organisiert. Hierbei werden Einsendungen von ComiczeichnerInnen und IllustratorInnen angenommen. Ein Teil der Einsendungen wurde durch eine unabhängige Jury ausgewählt und wird im Lauf des Festivals präsentiert.

Abgesehen von seiner Aufgabe als Experimentier- und Begegnungszone, bietet das Raumschiff die Möglichkeit, sich intern zu engagieren. Die Vielfalt hintergründiger Organisationsstrukturen verlangt nach eigenständiger Initiative und wer aktiv an der Entwicklung zukünftiger Projekte mitarbeiten bzw. sich am Steuern des Schiffes beteiligen möchte, ist herzlich willkommen. Sämtliche Verwaltungstätigkeiten finden auf ehrenamtlicher Basis statt, was für eine Vernetzung in verschiedene Richtungen sorgt. Die Einbettung in den universitären Bereich macht diese Form des Engagements für potentielle AbsolventInnen der Kunstuniversität besonders attraktiv. Grundsätzlich bleibt das Raumschiff, wenn auch aus der Studentenschaft der Kunstuniversität Linz hervorgegangen, in seinem Wirken nicht auf den akademischen Bereich beschränkt.

Hierin mag auch die Schwierigkeit des Projektes liegen, das sich innerhalb einer heterogenen Gesellschaft als Schnittstelle positionieren möchte. Für die Möglichkeit eines Dialoges zwischen Studentenschaft, Professorenschaft, touristischer Laufkundschaft und der Stadtbevölkerung, muss, abgesehen von den jeweiligen Veranstaltungen, auf eine relativ neutrale Atmosphäre zurückgegriffen werden. Um dem gerecht zu werden, wird die Kreisslerei wieder eröffnet, das Café des Raumschiffs. Kommen und bleiben ist möglich und erwünscht, insofern bleibt die Überschneidung von Ausstellungsraum, Verkaufsraum und gastronomischen Raum erhalten und das Raumschiff wird, einmal am Ankerplatz fest vertaut, zum Aufenthaltsraum.

Wer sich selbst einen Eindruck machen möchte, kann das am ehesten beim Eröffnungsfest. Ausstellung ist dabei noch keine geplant, was aber nicht heißt, dass es nichts zu sehen gibt. Die Programmmischung aus Musik und performative art ist noch in der Organisationsphase und man darf gespannt sein, mit welchen Aktionen diese neue Anlaufstelle sich der Stadt präsentiert.

 

Eröffnungsfestivitäten: 03.–06. März

Wem die Zeit für den Besuch der dreitägigen Eröffnung fehlt, dem steht es frei, das Schiff an diesen Tagen zu entern:
Mo, Do, Fr: 16.00–21.00 h
Sa, So: 11.00–16.00 h

Informationen zu Veranstaltungen und Ausschreibungen: www.raum-schiff.at

Feminismus & Krawall am internationalen Frauentag am 8. März 2016

Feminismus & Krawall versteht sich als anti-rassistische, anti-sexistische und gemeinschaftlich handelnde, gleichberechtigende, selbstbestimmende Initiative.

„Wir schaffen Territorien, in denen wir die Auflösung geltender Geschlechter- und Machtverhältnisse üben. Wir reden über: Arbeit(en), Technologien, Liebe, Ökonomien, Politiken, und Körper als Formen des (Un)Möglichen. Wir überlegen uns Strategien, um mit Rassismen, Sexismen, Homophobie, Transphobie und Ausbeutung umzugehen.“ Hinter Feminismus und Krawall stehen 18 Vereine und zahlreiche EinzelkämpferInnen, die das Bündnis ideologisch und/oder aktiv unterstützen. Bei den feministischen Projekten, die mittlerweile das ganze Jahr über stattfinden, sind mindestens 40 Frauen am aktiven Gestaltungs- und Umsetzungsprozess beteiligt. 2014 wurde Feminismus und Krawall mit dem Frauenpreis der Stadt Linz ausgezeichnet. 2015 wurde am Hauptplatz an einer wunderbaren, langen Tafel geredet und gespeist – und heuer, so hört man zumindest, könnte der Umzug etwas mit einem Schiff zu tun haben. Mitgehen bei der Demo! Die Route beginnt am Martin-Luther-Platz und führt über den Taubenmarkt zum Hauptplatz. Abendprogramm in der Stadtwerkstatt.

16.00 h    Treffpunkt Martin-Luther-Platz | Radioballett Platz da!
16.45 h    Start Demo: Platz da! – Wir schleppen ein Schiff – Join & help us!
17.15 h    Hauptplatz: Performances * Interventionen * Musik * Gruppenfoto
20.00 h    Stadtwerkstatt: Femme Brutal (Film!)
22.00 h    Stadtwerkstatt: Protestlabor DJs