Archiv für das Jahr: 2022

Die von Christine Ivanovic kuratierte und von Peter Karlhuber gestaltete Ausstellung Das grüne Märchenbuch aus Linz. Ilse Aichinger (1921–2016) im Adalbert-Stifter-Institut beleuchtet erstmals Ilse Aichingers Be­zie­hung zu Linz. Diese Beziehung war vielschichtig. Von Claudia Lehner.

Bibliomanie des Vaters, freundliche Irre und Sprache, die aus dem Schweigen kommt: Die aktuell laufende Ausstellung zu Ilse Aichinger. Foto Otto Saxinger

Ilse Aichinger verbrachte in Linz nicht nur ihre frühen Kindheitsjahre, an die sie sich in späten Texten erinnert, sie publizierte zwischen 1952 und 1981 auch in 19 Jahrgängen des Literarischen Jahrbuchs der Stadt Linz, und sie besuchte diese Stadt mehrfach, unter anderem im Rahmen von Lesungen.

Zum Wohnort wird Linz für Ilse Aichinger bereits in ihrem Geburtsjahr 1921. Sie, ihre Zwillingsschwester Helga, die Mutter Berta Aichinger, eine Ärztin, und der Vater Ludwig Aichinger leben hier unweit der Herz-Jesu-Kirche in der Dürrnbergerstraße, gegenüber der Waldeggschule, in der der Vater als Fachlehrer tätig ist. Daneben ist er Autor, Journalist und ein rühriger Literaturvermittler. Unter anderem gibt er 1919/20 die Theaterzeitschrift Die Maske heraus, hält zahlreiche Vorträge zu literarischen Themen und engagiert sich im 1919 gegründeten Verein „Eichendorff-Bund“, der etwa Lesungen und Kammerspielabende organisiert. Berta Aichinger wiederum, die ihren neun Jahre älteren Mann erst im Dezember 1920 geheiratet und kurz darauf in Linz eine Praxis eröffnet hat, kehrt nach der Geburt der Zwillingstöchter beinahe nahtlos wieder in ihren Beruf als Ärztin zurück. Auch sie hält neben ihrer ärztlichen Tätigkeit gut besuchte Vorträge, vor allem zur gesundheitlichen Aufklärung von Frauen. Im März 1923 wird sie zur Schulärztin für die höheren Mädchenschulen der Stadt bestellt, und mit Dezember 1925 zur ersten hauptberuflichen Jugendamtsärztin von Linz. Der vielbeschäftigten Mutter, die neben ihren zahlreichen Tätigkeiten auch Dienstreisen zur Weiterbildung, etwa bei dem von ihr geschätzten Individualpsychologen Dr. Alfred Adler in Wien, unternimmt, bleibt wenig Zeit für ihre beiden Töchter. Aus eben diesem Grund kommt sie wohl in den Erinnerungstexten Ilse Aichingers zu diesen Jahren nicht vor, wohingegen sich die Autorin in späten Texten (Film und Verhängnis, Unglaubwürdige Reisen) sehr deutlich an ein etwas unheimliches Kindermädchen namens Emma Schrack erinnert. Die „kurzfristig und auf Probe aus der Linzer Landesirrenanstalt“ entlassene Frau, die angeblich an Schizophrenie litt, flößte den Zwillingen Angst ein, wenn sie sie mit von den Wärtern der psychiatrischen Anstalt übernommenen Klammergriffen durch die Stadt führte und bei Ungehorsamkeit mit dem Wachmann drohte. Die täglichen Spazierwege enden nicht selten an den Toren der psychiatrischen Anstalt, wo Fräulein Schrack sich erschöpft im Gras niederlässt und einschläft, während die Mädchen durch die Lücken in den Mauern die „freundlichen Irren“ beobachten. Sie sind ein friedliches Gegenbild zu dem, was zeitgleich im ganzen Land heraufzieht, die für Ilse Aichinger und ihre mütterlicherseits jüdische Familie bald zur Bedrohung werdenden antisemitischen Angriffe und Einschränkungen.

Zuvor aber ereignet sich ein familiärer Riss. Ludwig Aichinger leidet an Bibliomanie, dem zwanghaften Horten von Büchern, für deren Erwerb alle verfügbaren monetären Mittel eingesetzt werden. Die, wie Ilse Aichinger schreibt, mehrfach gekauften Gesamtausgaben von Ibsen, Stifter oder Stelzhamer verschlingen bald das gesamte Familieneinkommen und werden vom Fachlehrer sogar aus unterschlagenen Beiträgen für Schulausflüge finanziert. Von mit Pfandzetteln beklebten Möbelstücken in der Linzer Wohnung und unbezahlten Christbäumen zu Weihnachten berichtet die Autorin. Schließlich bleibt der Mutter keine andere Wahl mehr – die Ehe wird am 4. August 1927 geschieden, Berta Aichinger und ihre Töchter ziehen nach Wien.

Die folgenden Jahre, die sich für den mütterlichen Zweig der Familie verheerend entwickeln, bedeuten eine Zäsur in Ilse Aichingers Leben und Schreiben. 1938, mit dem „Anschluss“ Österreichs, verliert Berta Aichinger in Wien Arbeits- und Wohnrecht und zieht mit ihren Töchtern zur Mutter. 1939 können Klara Kremer, eine Schwester Berta Aichingers, und einige Monate später Helga Aichinger nach London emigrieren, jedoch ist mit Kriegsausbruch ein Nachkommen der restlichen Familie unmöglich geworden. 1942 werden Großmutter, Tante und Onkel Ilse Aichingers nach Maly Trostinec (Weißrussland) verschleppt und ermordet. Wie durch ein Wunder überleben Ilse Aichinger und ihre Mutter den Krieg. Erst im Dezember 1947 können sich Helga und Ilse Aichinger sowie Berta Aichinger und Klara Kremer in London wiedersehen.

Die Kriegserfahrungen und die Trennung von der Zwillingsschwester sind der Anstoß für Ilse Aichinger, ihren ersten und einzigen Roman „Die größere Hoffnung“ (1948) zu schreiben, der den Beginn ihrer schriftstellerischen Karriere markiert. Ab 1952 – sie wird mit dem Preis der Gruppe 47 für die „Spiegelgeschichte“ ausgezeichnet – werden der jungen Autorin mehrfach Preise und Auszeichnungen zugesprochen. Zum selben Zeitpunkt tritt auch der Redakteur der Stilleren Heimat, des Literarischen Jahrbuchs der Stadt Linz, Karl Kleinschmidt, an Ilse Aichinger heran und ersucht sie wiederholt um einen Text für das Jahrbuch. Sie sendet ihn schließlich und er wird mit Dank angenommen. Dieses Prozedere wiederholt sich nun Jahr für Jahr. Kleinschmidt bleibt hartnäckig und wirbt um Texte, und Aichinger beschickt ihn, soweit sie etwas Passendes zur Hand hat oder rechtzeitig fertigstellen kann.

Erstaunlich erscheint dieser Vorgang, wenn man die Entstehungsgeschichte der Publikation Stillere Heimat näher betrachtet. Sie war 1940 während des Krieges im Zeichen des Nationalsozialismus gegründet worden und sollte – der Name war Programm – statt auf lautstarke Propaganda auf die Idealisierung von Heimat, Natur und ursprünglicher menschlicher Gemeinschaft mit starkem regionalen Bezug setzen. Kriegsbedingt 1944 eingestellt, wurde Stillere Heimat 1952 unter Beibehaltung sowohl des Titels wie des ursprünglichen Konzepts wiederaufgenommen. Damit lag nicht nur die Redaktionsleitung bei Karl Kleinschmidt, der bereits in der Gründungsphase an der Redaktion mitgewirkt hatte und ab 1952 wiedereingestellt wurde, auch BeiträgerInnen der im Krieg erschienenen Vorgängerausgaben waren hier wie ehedem vertreten. Dieser Umstand kann Ilse Aichinger nicht verborgen geblieben sein. Dennoch setzt sie ihre kontinuierliche Mitwirkung am Literarischen Jahrbuch der Stadt Linz fort. Über die Jahre gesellen sich jüngere AutorInnen wie Doris Mühringer, Heimrad Bäcker, Marlen Haushofer, Thomas Bernhard, Elfriede Gerstl und andere zu den teils nationalsozialistisch belasteten BeiträgerInnen bzw. lösen diese ab.

Einige der zwischen 1952 und 1981 im Jahrbuch der Stadt Linz (Stillere Heimat bzw. ab 1970 Facetten) veröffentlichten Texte Aichingers wurden erstmals hier gedruckt, andere erschienen nur hier. In Summe bilden diese Texte paradigmatisch Aichingers literarische Entwicklung in ihren produktivsten Jahren ab. Mit einem jeweiligen Kommentar der Kuratorin versehen stehen sie daher in der Ausstellung (in Form der originalen Jahrbücher, die zum Lesen in die Hand genommen werden dürfen) im Mittelpunkt. Einige der Texte, u. a. ihre berühmte Erzählung „Wo ich wohne“ sind auszugsweise auch in Hörstationen (in Form von hängenden Sitzkokons) nachzuhören.

Ein weiterer wichtiger Bezugspunkt Ilse Aichingers zu Linz ist der Autor Adalbert Stifter gewesen, in dessen ehemaligem Wohnhaus das 1950 gegründete Adalbert-Stifter-Institut seit Mitte der 50er Jahre untergebracht ist. Im Jahr 1955, anlässlich des 150. Geburtstages Stifters, verfasst Aichinger ein ausführliches Rundfunkfeuilleton zu dem berühmten Dichter, den sie ungewöhnlicherweise selbst einliest. Der Essay ist eine Handlungsanleitung zur genauen Lektüre der Werke Stifters und würdigt Adalbert Stifter als einen Autor, dem es wie keinem anderen gelingt, Trost zu spenden. Hintergrund ist Stifters eigene Erfahrung des Schmerzes, des Todes, der Grenzerfahrung, so glaubt Aichinger. Die Erzählung „Bergkristall“, in der die beiden Kinder Konrad und Sanna wie durch ein Wunder aus Schnee, Eis und Finsternis gerettet werden, spricht – wohl auch durch die Erfahrung der Trennung und des Überlebens der Zwillingsschwestern – Aichinger im Besonderen an. Sie kannte die Erzählung aus ihrer Kindheit, liest sie aber als junge Erwachsene, nach den Erfahrungen des Krieges und dem Erscheinen ihres ersten Romans „Die größere Hoffnung“, neu. In diesem präzisen und langsamen Lesen entdeckt sie plötzlich die Schreibweise Stifters, sein genaues vertiefendes Betrachten, welches auch für sie selbst zum Leitmotiv wird und eine Sprache zur Folge hat, die aus dem Schweigen kommt. Sie wird zu einer Grundprämisse für Aichingers künftiges Werk. Die Autorin wird sich bis an ihr Lebensende immer wieder mit Stifter auseinandersetzen, humoristisch in dem Dramolett „Das neue Lied“ (1957), in Essays („Weiterlesen. Zu Adalbert Stifter“, 1979; „Stifters Subtext“, 2005), sogar noch in der letzten von ihr selbst publizierten Zeitungsglosse (Die Presse, 22. 10. 2005).

Mit dem Adalbert-Stifter-Institut, das die Autorin bereits im Oktober 1957 erstmals besuchte, blieb Aichinger bis zuletzt verbunden. Nach Gründung des OÖ. Literaturhauses im StifterHaus liest sie dreimal hier, zuletzt 2005 aus ihrem Journal des Verschwindens.

Wie wenig verschwunden sie und ihre Literatur für Linz sind, beweisen die nun laufende Ausstellung und der parallel erscheinende Katalog.

Das grüne Märchenbuch aus Linz. Ilse Aichinger (1921–2016)
20.10.2021 – 21.6.2022 (coronabedingt verlängert) / täglich, außer Montag 10–15 Uhr
Adalbert-Stifter-Institut des Landes OÖ / StifterHaus
Adalbert-Stifter-Platz 1, 4020 Linz
www.stifterhaus.at

Di 8. März, zum Internationalen Frauentag:
Präsentation der Briefeditionen „Helga und Ilse Aichinger ‚Ich schreib für Dich und jedes Wort aus Liebe‘. Briefwechsel Wien – London 1939–1947“

Bei Unruly Thoughts, einem feministischen Online-Festival diesen Jänner, standen Theoretikerinnen, Perfor­merinnen und Kulturarbeiterinnen des afrikanischen Kontinents und der Diaspora im Zentrum einer Tagung. Deren Beiträge haben eurozentristische Perspektiven und den Hochheitsanspruch auf gesellschaftliche, kulturelle und politische Diskurse nachhaltig verschoben. Ein Festivalbericht von Melanie Letschnig.

Bild Selly Raby Kane für Unruly Thoughts

„Let your voices roar!“ Animation & Illustration-Workshop by Comfort Arthur (Ghana / UK). Bild Fiftitu%

Eine Frau mit kobaltblauer Haut und dicken Zöpfen, maßgekleidet in schwarzer und blauer Folie sowie mit Kombatstiefeln, ihre Fingernägel sind lang, die eckig gefeilten Spitzen signalrot. Sie hockt vor einem computergenerierten Hintergrund aus hellblauem Wasser, Zweige eines Baumes in das Bild montiert, und zeigt Zähne. So zu sehen auf dem Plakat zum Festival Unruly Thoughts – on feminisms and beyond, das – kuratiert von Sandra Krampelhuber für FIFTITU% – von 27. bis 29. Jänner 2022, von Linz ausgehend, weltweit online seine Verzweigungen in die Welt geästelt hat. Gestaltet wurde das Plakat von Designerin und Visual Artist Selly Raby Kane, ihre Zeichens Teil des senegalesischen Künstler*innenkollektivs Les Petites Pierres mit Sitz in Dakar. Das Sujet repräsentiert die Verschränkung von Altem und Neuem, von Organischem und Anorganischem, Körper und Äther. Letzteres ein Thema, das bestimmend war für die Austragung des Festivals – die Vor- und Nachteile des Zoomens. FIFTITU%, die Organisatorinnen, haben die Herausforderung angenommen und sich um die bestmögliche Verbindung gekümmert, damit das Festival möglichst störfrei in die Welt übertragen werden konnte.

„Unruly Thoughts have a powerful history in feminisms“, heißt es im Trailer zum Festival. Worum sich die angesprochenen widerspenstigen Gedanken spinnen, wurde in den drei Tagen des Festivals eindrucksvoll in Vorträgen, Gesprächen, Performances und Filmvorführungen dargelegt. Einleitend formuliert Tmnit Ghide, Host des Festivals, Absichten und Ziele: Das Eröffnen, Konkretisieren und Verknüpfen feministischer Perspektiven abseits eurozentrischer Sichtweisen, sowie die Entwicklung von Strategien, um für Gerechtigkeit und Gleichberechtigung zu kämpfen. Die Zugangsweisen zur Umsetzung dieser politischen Agenden waren gleich am ersten Abend breit angelegt: Kholeka Putuma (Südafrika) liest aus ihrem Gedichtband Hullo, Bu-Bye, Koko, Come in¹, in dem sich die Autorin unter anderem der Auslöschung des Vermächtnisses schwarzer Frauen in den Archiven widmet. Im anschließenden Gespräch mit Tmnit Ghide weist Putuma darauf hin, dass viele der Frauen, die sie in Hullo … zitiert, nicht mehr die Rechte an ihrem Werk besitzen und weist so auf die Herstellung von Unsichtbarkeit hin – „Poetry in the time of the digital … I’m imagining all your faces“, sagt sie zuvor zu den Teilnehmer*innen des Festivals. Es folgt Poetra Asantewa (Ghana) mit dem Vortrag ihres Gedichts F-Word, in dem das Problem der „korrekten“ Definition eben dieses Wortes besprochen wird. Den ersten Abend beschließt das Screening von Éthel Oliveiras und Júlia Marianos Film SEEDS: BLACK WOMEN IN POWER (BR 2020), in dem brasilianische Politikerinnen und ihre Arbeit porträtiert werden.

Sichtbarkeit und Freiheit als Aktion
Den zweiten Tag beginnt Karima 2G (Italien / Liberia), die über „The Power of Afro-feminist art and Black Feminism in Italy“ spricht. Sie thematisiert, dass Frauen der 2. Generation in Italien immer noch keinen Platz in der italienischen Gesellschaft haben, fordert Auflehnung gegen Viktimisierung und stellt in ihrem Vortrag Role Models wie die Autorin Esperance Hakuzwimana Ripanti, die Politikerin Marwa Mahmoud und die Athletin Danielle Frederique Madam vor. Karima 2G, die ihre Musik selbst produziert, wird am Abend auch als Spoken-Word-Performerin in Erscheinung treten. Nach ihr meldet sich die Autorin und Sozialkritikerin Minna Salami (Schweden / Finnland / Nigeria) aus London. Mit ihrer Einstiegsfrage – „How does a freedom person act?“ – eröffnet sie einen Analysekomplex aus Geschichten Afrikas, metaphysischen Fragestellungen als Teil von Black Feminism und der Kritik an euro-patriarchalem Wissen, dem Hierarchisierung als Machtbasis zugrunde liegt und das – eine der Kernaussagen des Vortrags – Frauen beibringt, an sich selbst zu leiden. Dieser Gewaltförmigkeit setzt Minna Salami Freiheit als Aktion entgegen, die niemals auf Diener*innenschaft beruhen kann.
Den Nachmittagsblock beschließt Mahen Bonetti (USA/Sierra Leone), die Gründerin des African Film Festival – Pionierin! Sie berichtet im Gespräch mit Tmnit Ghide über die Geschichte des Festivals, wie es war, in den 1960er Jahren als Filmemacherin in der Sowjetunion zu arbeiten und über erste Berührungen mit europäischem Art-House-Kino in New York. Als 1993 das African Film Festival zum ersten Mal stattgefunden hat, hätte es zehn Tage dauern sollen. Aus zehn Tagen wurde aber ein Monat, das Begehren nach Kino aus Afrika wurde offensichtlich. Essenziell für den Erfolg solcher Projekte, so Bonetti, ist das Arbeiten im Kollektiv und die Aufrechterhaltung einer Autonomie, die sich nicht von Orten und Förderungen abhängig macht. Das Gespräch zwischen ihr und Ghide ist lebhaft, die Sehnsucht der hier schreibenden Teilnehmerin auf eine Wiederholung dieses Gesprächs nicht im Virtuellen, sondern im Raum fleischlicher Anwesenheit wurde immer größer und hat sich seitdem nicht gelegt.
Der Abend startet fulminant mit den HOETEP BLESSINGS (GF 2016) von Tabita Rezaire (Französisch-Guyana), einem Kurzfilm, in dem sich die Regisseurin als mächtige Performerin in bester 1990er-CGI-Ästhetik offensiv und lustvoll gegen die popkulturelle Ausweidung von Hoetep stellt. Es folgt Toussa mit ihrer Rap-Nummer “Bataaxalu Jigeen” (“Letter of a Woman”) in Wolof, einer der Sprachen Senegals. Toussa ist Vorreiterin in Sachen feministischer Rap in Senegal, 2009 hat sie gemeinsam mit anderen Rapperinnen, Sängerinnen, Produzentinnen und Beatmakers das Hip Hop-Kollektiv GOTAL gegründet.² Karima 2G beschließt mit der Live-Premiere ihres Songs „Libera“ das Performanceprogramm. In der Filmsektion gibt es darauf TEZEN (HT/FR 2016) von Shirley Bruno, ALINE (CH/SN 2021) von Rokhaya Marieme Balde und AURORA (CU 2019) von Everlane Morales zu sehen.

Tag 3 startet mit einem Animationsfilm-Workshop, geleitet von Comfort Arthur (Ghana/Großbritannien), die in Ghana ihr eigenes The Comfy Studio³ leitet und im Gespräch über ihren Anspruch berichtet, Filme gleichzeitig didaktisch und unterhaltsam zu gestalten. Rama Salla Dieng (Großbritannien/Senegal) spricht in ihrem Vortrag über Strategien politischer Vernetzung und greift diesbezüglich Fragen auf wie: Welche Themen beschäftigen Feministinnen des afrikanischen Kontinents und der Diaspora? Welche Rolle spielt das Digitale für die Vernetzung? Wie treten die Frauen miteinander in Verbindung, welchen Blick werfen sie auf feministische Geschichte? Und eine der Kernfragen: Wie steht es in diesen Prozessen um Self Care? Auch in Anlehnung an diese Frage spricht sich Dieng für einen sexpositiven und lustzentrierten Feminismus aus, ein Ansatz, der eine Lösung für die von Minna Salami aufs Tapet gebrachte Rolle von Frauen als an sich selbst Leidenden qua Patriarchat bieten kann. Unlearning ist hier als politische Praxis gefragt.
Daran anschließend spricht Christelle Oyiri (Frankreich) über die Bedeutung von matrifocality, die als gesellschaftliches Konzept ökonomische Macht durch familiäre Netzwerke generiert. Viele der Beiträgerinnen – so auch Oyiri – thematisieren in ihren Vorträgen, wie sie als 2. oder 3. Generation kontinuierlich ihre Position innerhalb einer Gesellschaft behaupten müssen, die sich das (illegitime) Recht herausnimmt, Körper und Existenzen zu sprechen und damit Repräsentationen zu erzeugen, die nichts mit dem Selbstverständnis eines eigenen Ichs zu tun haben. Die Vorträge sind geprägt von dieser Erfahrung, die sich in Verbindung mit Anderen setzt und so das Persönliche zur Grundlage intersektional-feministischer Theorie macht.
Der letzte Vortrag des Festivals wird beigesteuert von Donna P. Hope (Jamaica), Spezialistin für die Geschichte der “Dance­hall’s Rebel Women“ wie Lady Saw, Macka Diamond aka Lady Mackerel und Shenseea. Hope erläutert in bestechender Art und Weise, wie die Frauen des Dancehall diskriminierende Kategorien wie gender, race, class, colours & age selbstbewusst vereinnahmen, ihre Musik damit spicken und über lustvoll zelebrierte Körperlichkeit – die nicht nur akustisch laut ist – gegen Unterdrückung – auch innerhalb der für lange Zeit männlich dominierten Dancehall-Szene – auftreten. Ein Vortrag aufregend und lebendig wie ein Livekonzert.
Das Festival endet mit einer Podiumsdiskussion “On the Importance of Feminist Alliances in the Digital Space“ unter Beteiligung von Zainab Floyd (USA/Haiti), Sandra Manuel (Mozambique/Ghana), Hawa Kebe (Österreich/Senegal/Elfenbeinküste), Feminista Jones (USA) und Robyn-Lee Pretorius (South Africa) und dem Screening von Rosine Mbakams DELPHINE’S PRAYERS (CM/BE 2021) sowie Amandine Gays SPEAK UP (FR 2017).

Ein paar abschließende Bemerkungen: FIFTITU% und Sandra Krampelhuber ist mit diesem Festival Großes gelungen. Drei Tage lang standen Theoretikerinnen, Performerinnen und Kulturarbeiterinnen des afrikanischen Kontinents und der Diaspora im Zentrum einer Tagung, deren Beiträge eurozentristische Perspektiven und den Hochheitsanspruch auf gesellschaftliche, kulturelle und politische Diskurse nachhaltig verschoben haben. So viel für mich Neues, das sich mir initiierend erschlossen hat und dementsprechend ist Unruly Thoughts auch als Auftrag zu verstehen, von den Frauen zu lernen, weiterführend interessiert zu bleiben und sich kundig zu machen.
Dass das Digitale zugleich Fluch und Segen ist, hat sich auch diesmal herausgestellt. Einerseits hat die Technik ein Zusammenkommen und den Austausch zumindest im Virtuellen ermöglicht, gleichzeitig ist damit die Sehnsucht nach dem Treffen und miteinander Sprechen im konkret-fleischlichen Raum ins Unermessliche gestiegen – ein Eindruck, der von den Tagungsbeiträgerinnen immer wieder thematisiert wurde. Das Digitale kann im Sinne der Vernetzung immer nur der erste Schritt sein, im nächsten Schritt geht es hinaus auf die Straße, in die Communities, auf den Dancefloor. See you!

1 Der Titel des Gedichtbandes bezieht sich auf den Text von Brenda Fassies Song „Istraight Lendaba“ (1992).

2 Einen kleinen Einblick in das Schaffen von GOTAL gibt es hier: www.youtube.com/watch?v=nvXZRZvUYak, aufgerufen am 15. Februar 2022

3 www.thecomfystudios.com, aufgerufen am 16. Februar 2022

Mehr zum ausführlichen Programm: unruly-thoughts.com

Kennt ihr das auch? Wieder mal von einer tollen Party heimgelaufen und dieses hungrige Gefühl geht nicht weg. Oder allein zu Hause auf der Couch im Winter im Lockdown und trotz vollem Magen – hungrig. Wie gerne würdet ihr wen zum Schmusen neben euch haben? Aber ihr sitzt wieder allein zu Hause (oder vielleicht sogar neben dem*der Partner*in) und fühlt euch leer und einsam. Pa Dares über zwischen­menschlichen Hunger und mit Kritik an unhinterfragten Beziehungsnormen.

© Pa Dares

Ich rede von dem Hunger, der entsteht, wenn wir trotz netten Gesprächen immer distanziert bleiben und es bis auf die Umarmung zu Begrüßung und Abschied keine weiteren körperli­chen Zärtlichkeiten gibt – außer derer, die für den*/die* Partner*innen reserviert und die meist fest eingefahren sind. Oder ich rede darüber, dass nur im Rausch körperliche Nähe und Intimität geteilt werden, und nüchtern alles wieder wie vorher ist.

wie es mir damit geht?
ich kann nicht vertrauen, wenn keine tiefe da ist
ohne tiefe gehe ich unter
wie ein objekt, das potentiell gefahr birgt, wenn du dich öffnest
ich fühle mich offen und nackt
my vulnerability is my power –
normalerweise
aber ich erfriere auf deinem eisberg
let’s be careful with each other so we can be dangerous together
ich mach mich nackt und du schaust immer noch nur auf die oberfläche
du konsumierst mich ganzheitlich immer dann wann du gerade willst
und ich muss dich immer noch fragen ob ich von deinem teller essen darf
du musst dich ja nicht gleich ausziehen
aber mach dich doch mal auf
damit fängt’s an
Einige Textzeilen, die ich während einer Performance mit einer Verbündeten bei STWST48 im September 2021 auf die Bühne brachte.

Nach zwei Jahren in Linz bleibe ich hungrig nach einer Form der Zwischenmenschlichkeit, die außerhalb der gesellschaftlichen Normen stattfindet. Innerhalb derer gibt es entweder nur Freun­d*in­nen­schaft oder Partner*innenschaft, in der ich immer wieder das Gefühl habe, dass die Gesprächsthemen einer geschlechtlich-binären Aufteilung, nämlich zwischen Män­nern* und Frauen* unterliegen, und kein Raum für Feedback auf emotionaler Ebene da ist, oder es stellt eine Bedrohung für Paar-Konstellationen dar, wenn wir uns auf emotionaler Ebene mehr öffnen usw.

In Linz begegnen mir an den Orten, an denen ich mich aufhalte, fast ausschließlich (heteronormierte) romantische Zweierbeziehungen. Ich habe das Gefühl, dass die Menschen alle Liebe und Zärtlichkeit nur für ihre Partner*innen aufheben – als ob es Ressourcen wären, die irgendwann aus sind und deshalb sparsam damit umgegangen werden muss.

Dieses Phänomen trägt übrigens den Namen Hungerökonomie: der Glaube daran, dass romantische Liebe, Intimität und Ver­bundenheit begrenzte Ressourcen sind, von denen es nicht genug gibt, um sie zu verteilen – und wenn diese Ressourcen einem Menschen gegeben werden, sie automatisch einer anderen Person weggenommen werden. Dieses Konzept wurde bereits in den 1990ern von Dossie Easton und Janet Hardy im Buch The Ethical Slut erwähnt.

Ich beobachte platonische Freund*innenschaften, in denen sich Menschen auf der einen Seite geistig und „freund*innenschaftlich“ verbunden fühlen. Auf der anderen Seite beobachte ich körperliche und von den Menschen erotisierte Beziehungen in Form von Gspusis oder Partne­r*in­nen­schaften, denen oft eine toxische Romantik innewohnt, die in Kauf genommen wird, weil es á la Love hurts „dazu gehört“.

Es scheint mir, es wäre allgemeingültig, was als Freund*innenschaft und was als Partner*innenschaft gilt, wie mensch sich innerhalb dessen verhält und wie sich kennengelernt wird. Ich erlebe wenig Raum dafür, sich zu erkunden – einfach an der Freude am Gegenüber und des Lebens.

Ich sehe auch Menschen, die versuchen, daraus auszubrechen und sich an den Normen die Zähne ausbeißen, die niemanden haben, an dem*/der* sie sich orientieren können oder mit dem*/der* sie sich darüber austauschen können.

Ich sehe auf ewig emotional vereinsamte Singles, die sich via Dating Apps ein bisschen Hoffnung zu geben versuchen – da draußen finde sich der*die* Eine, der*die alle Wünsche und Begehren stillt, wenn mensch nur außerhalb der eigenen Blase schaut. Stellt euch mal die Situation vor, in der sich zwei Menschen das erste Mal daten: Die monogam lebende Person eröffnet das Gespräch damit, zu beichten, dass sie monogam lebt, anstatt dass Monogamie selbstverständlich vorausgesetzt wird. Denn Monogamie bleibt die unhinterfragte Norm. Dadurch passieren Ausschlüsse und Abwertungen oder es müssen sich immer nur diejenigen „outen“, die es anders leben. Aber wie schön wäre es im Gegensatz dazu, wenn sich niemand „outen“ müsste und Intimität immer wieder neu verhandelt werden würde, so wie es für zwei Menschen in einem Moment eben gerade passt – nicht nach Fahrplan.

Es ist nun mal so, dass das kapitalistische und sehr konservative System in dem wir leben, auf monogame Hetero-Beziehungen ausgerichtet ist – die meisten Menschen in meinem Umfeld hier lohnarbeiten einen Großteil ihrer Zeit, was natürlich auch viel ihrer Energie frisst. Ich kann nachvollziehen, dass mensch am Ende eines langen Tages lieber nach Hause kommt und weiß, was er da bekommt: Kuscheleinheiten, nicht zu viel reden müssen, sich nicht neu auf einen Menschen einlassen, weil die meisten Handlungsabläufe schon eingefahren sind … es gibt kaum Zeit für andere Freund*innenschaften, die das eigentlich auch halten könnten, aber oft niedriger priorisiert werden als die Partner*innenschaft.

Ich beobachte, wie hier alle an katholischen Feiertagen zu ihren Familien fahren, obwohl die wenigsten Lust drauf haben, meist ihre*n Partner*innen mitnehmen und diejenigen zurücklassen, die sich über ein bisschen Liebe und „Verbunden-Fühlen“ und „Beschenken“ freuen würden. Dann sprechen seit Corona und der Impfdebatte alle weißen „Linken“ ständig von Solidarität. Don’t forget: das Private ist politisch, ob wir das wollen oder nicht. Das ist kein feministischer Hirnfick. Wir leben in einer katholischen Dominanzgesellschaft: Während der Lockdowns blieben alle anderen religiösen Feiertage verboten. Aber die Katholik*innen durften die Feiertage mit der Kernfamilie verbringen. Diese unhinterfragte Wichtigkeit der Kernfamilie empfinde ich als unsolidarisch und gewaltvoll: Was ist mit denen, deren Kernfamilie kein sicherer Hafen ist, weil ihre Lebensumstände es notwendig gemacht haben, sich Unterstützungsstrukturen und Wahlfamilien zu schaffen, weil sie das nicht in ihrer Familie gefunden haben? Und was ist mit denen, die es sich ausgesucht haben, der Kernfamilie nicht diese Wichtigkeit zu geben? Oder denen, deren Kernfamilien bereits verstorben sind? Und all den anderen, für die das Konzept Kernfamilie nicht passt. Sie mussten offiziell zu Hause und allein bleiben – am Fest der Liebe. Pfui! Es werden also recht viele Menschen ausgeschlossen – meistens die sogenannten „Ausländer“ und diejenigen, die außerhalb dieser Normen vor sich hindümpeln.

All diese Beobachtungen und der Hunger, wohnen nicht nur der Stadt Linz inne. Es sind strukturelle Probleme, welche nun Mal in kapitalistischen/patriarchalen Systemen vorherrschen. Aber sie fallen mir hier mehr auf, weil Linz eine Kleinstadt und unfassbar konservativ ist. Es ist herausfordernd, in diesem System intime, nährende Beziehungen aufzubauen, die außerhalb unserer Kernfamilien und romantischen Zweierbeziehungen stattfinden – allerdings ist es nicht unmöglich und es fängt mit der Bewusstwerdung an.

Ich würde mir wünschen, dass sich mehr Menschen in meinem Umfeld dessen bewusstwerden, wie viele Normen sie mit ihrem Lebensstil erfüllen, dadurch Privilegien genießen, die anderen nicht gegeben sind und wie gewaltvoll es für Menschen sein kann, die da nicht reinpassen.

Es wird einfach zu selten darüber gesprochen, wie wir unser Miteinander anders gestalten könnten.

Dieser Text ist (m)eine Art Widerstand ge­gen das unhinterfragt Normalisierte. Und Widerstand ist nicht nur in einer Stadt wie Linz längst und immer wieder angebracht. Er ist ein Versuch, den Hunger nach echter Anteilnahme und nach Menschen zu stillen, die sich wirklich umeinander kümmern und nicht nur drüber reden, mehr Weichheit und Zärtlichkeit im Umgang miteinander zu erleben.
Es ist ein solidarischer Akt für diejenigen, die hier weggezogen sind, weil sie es nicht mehr ausgehalten haben und für diejenigen, die hier weiterkämpfen und wirklich solidarisch sind und dabei kaum freie Zeit haben, weil sie fast ausschließlich damit beschäftigt sind, liebevollere Strukturen zu schaffen.

i want a world where friendship is appreciated as a form of romance.
i want a world where when people ask if we are seeing anyone we can list the names of all of our best friends and no one will bat an eyelid.
i want monuments and holidays and certificates and ceremonies to commemorate friendship.
i want a world that doesn’t require us to be in a sexual/romantic partnership to be seen as mature (let alone complete).
i want a movement that fights for all forms of relationships, not just the sexual ones.
i want thousands of songs and movies and poems about the intimacy between friends.
i want a world where our worth isn’t linked to our desireability, our security to our monogamy, our family to our biology.
Alok Vaid-Menon

Pa Dares hat eine mehr oder weniger große Migrationsgeschichte: Griechisch-österreichische Großeltern. Geboren in Kingston (GB), Kinder garten in Deutschland, 13 Jahre Schulzeit in Belgien, Bachelor of Science in International Business in Maastricht (Niederlande) und Master of Arts in Intercultural Conflict Management an der Alice Salomon Hochschule in Berlin. Nun wohnt Pa seit Oktober 2019 in Linz, hat ein Jahr bei maiz – Autonomes Zentrum von und für Migran­t*innen im Bereich Sex&Work unter anderem als Street-Worker*in gearbeitet und ist selbst auch als Sexarbeitende tätig (Independent High Class Escort, Porno). Als Sex-Worker referiert Pa u. a. für die Ausbildung Sexualpädagogik in Linz und an der FH.
Der Umzug zurück in Kleinstadtstrukturen – ohne sich emotional darauf vorzubereiten – hatte eine Depression zur Folge, die Pa erst spät bewusst geworden war. Plötzlich war da nur mehr Körperkontakt und enger emotionaler Austausch mit einer einzigen Beziehungsperson und für viele war Pa von Anfang an „die Freundin von“. Seit 3 Jahren schreibt Pa Texte zu verschiedenen Themen und wird endlich auch dafür bezahlt. Ab und an organisiert Pa einen sexpositiven Freudensalon in Linz.

Residency via STWST, 29. 01.–09. 02.
Kunst als Handlungsstrategie. Während einer Artist Residency via STWST wurde mir, gemeinsam mit Mika Bankomat wieder Raum gegeben, unsere vorangegangenen Prozesse zu bündeln und nach außen zu bringen. Unsere Erfahrungen mit verschiedenen Formen von Gewalt durch Einzelpersonen und sozialen Räumen sind nicht nur individuell, sondern kollektiv und über unsere individuellen Erfahrungen hinausgehend. Unsere Verarbeitungsprozesse und unser Umgang mit Wut, Trauer, Verletzung und Schmerz wurden von der persönlichen Erfahrung auf einen Meta-Kontext gebracht. events.stwst.at

Kauf dir ein Buch – Wissen ist sexy:
Zu Lieben / Kapitalismus entlieben. Lieben als politisches Handeln, Lann Hornscheidt
Radikale Zärtlichkeit – Warum Liebe politisch ist, Şeyda Kurt
Beyond the Gender Binary, Your Wound/ My Garden, ALOK
www.alokvmenon.com/about

Das bb15 ist ein von Künstler*innen organisierter Raum für Kunst und Kultur, der experimentelle Zugänge fördert. Im Rahmen eines Artist-in-Residency-Programmes wurde Clarice Calvo-Pinsolle als Soundkünstlerin und Teil des Oscillations-Netzwerks eingeladen. Der Text von Mathias Müller entstand nach einem Gespräch mit Clarice Calvo-Pinsolle, in dem sie über ihren Arbeitsprozess und die neue Soundinstallation ce qu’il reste des échos spricht, die im März im bb15 ausgestellt wird.

Was von den Echos bleibt, Skizze. Bild Clarice Calvo-Pinsolle

Welche Städte, welche Orte bleiben am ehesten unvergesslich? Diejenigen, durch die wir mit offenen Augen gegangen sind, aufmerksam alles betrachtet haben? Oder stattdessen vielleicht die, in denen wir mit den Gedanken woanders waren, ins Leere geschaut, nichts gesehen haben, aber unser Körper, ohne dass wir es zu diesem Zeitpunkt bemerkt hätten, seine Umgebung durch die Haut, durch die Ohren wahrgenommen hat. Clarice Calvo-Pinsolle ist eine Künstlerin, die sich kein Bild von einer Stadt macht. Das Auge ist nicht das entscheidende Instrument der Wahrnehmung. Nicht um das Schauen geht es, sondern das Hören. Keine Fotos, keine Kamera, stattdessen ein Aufnahmegerät. Ein ungewöhnliches Verfahren. Wie erinnert sie sich an die Orte, an denen sie gewesen ist? Indem sie die Geräusche noch einmal hört, die sie damals gehört hat. Ein bildloses Erinnern.

Aber wie kann ein solches Hören vor sich gehen? Das Ohr ist ja nicht das einzige Organ, das empfindlich ist für Schallwellen. Der ganze menschliche Körper ist fähig, Vibrationen wahrzunehmen, wie das Zittern des Bodens über die Füße oder tiefe Töne, die tief im Inneren des Verdauungssystems zu spüren sind. Selbst die Flüssigkeit im Inneren des Auges kann in Schwingungen versetzt werden. Das haben Gehör und Gedächtnis gemeinsam. Der ganze Körper ist daran beteiligt. Ein Geruch, ein Geschmack, eine ungewohnte Haltung, die zufällig eingenommen wird, eine plötzliche Bewegung und schon bricht eine Erinnerung hervor; nicht die Erinnerung an ein Bild, noch nicht einmal an einen Geruch, einen Geschmack oder ein Geräusch, vielleicht die Erinnerung an einen Ort, einen Moment, in dem gerade nichts gesehen wurde, nicht geschaut wurde.

Die Suche nach Erinnerungen, die Suche nach Geräuschen. Ein Spaziergang durch Linz mit einem Aufnahmegerät, um Erinnerungen aufzunehmen. Aber auch die Suche nach Gegenständen der Erinnerung. Andere Formen, um Geräusche, um Erinnerungen aufzunehmen. Ein Geräusch, das ist ja fast das Flüchtigste, das es gibt. Oft genug wird es überhört, aber selbst, wenn es laut genug war, ist es auch schnell wieder vergessen. Etwas, das einmal gesagt wurde, kann nicht zurückgenommen werden. Aber wo ist es hin? Jeder Klang, jedes Geräusch wird durch den Raum, in dem es stattfindet, durch die Resonanzen der Wände, der Fenster, der Möbel verändert und diese Veränderung ist leicht hörbar zu machen, zum Beispiel durch Wiederholung. Aber verändert sich auch der Raum durch das Geräusch? Bleibt etwas zurück in den Wänden, Fenstern, Möbeln? Von manchen Legierungen wird gesagt, sie hätten ein Gedächtnis, weil sie sich an die Form „erinnern“, die sie bei einer bestimmten Temperatur hatten. Und unser Alltag ist voller Gegenstände, die empfänglich sind für Erinnerungen und Geräusche, in die sich die Umwelt oder die Ereignisse in der einen oder anderen Form eingezeichnet haben, wie abgegriffene Schlüssel oder eine Hose, die die Form des Körpers behält, der sie trug. Ein halbgelesenes Buch, das auf genau der Seite wieder aufgeschlagen wird, an der wir aufgehört haben es zu lesen, eine Tasse, deren Henkel fehlt, das Große Glas. Spuren eines langen Gebrauchs oder eines plötzlichen Ereignisses. Eindrücke und nicht Feststellungen.

Rohre, Hydrophone, ein gebrauchter Auspuff, Satellitenschüsseln. Geräusche und Erinnerungen. Schall und Gedächtnis. Das sind die Materialien, mit denen Clarice Calvo-Pinsolle bisher in ihren Installationen gearbeitet hat. Für das bb15 wird sie sich mit einem anderen Gegenstand befassen: mit Schallgefäßen, „vase acoustiques“, Keramikvasen, die, laut der Künstlerin, in die Wände von französischen Kirchen des 16. Jahrhunderts eingelassen waren, um den Schall durch ihre Form, ihr Material zu transportieren, zu verstärken, um es nicht hallen, aber klingen zu lassen. Keine von der Wand zurückgeworfenen Geräusche, sondern Resonanz. „Für mich“, sagt die Künstlerin, „sind das Objekte, die Erinnerungen tragen, die Erinnerung zum Beispiel an vergessene, erloschene Stimmen. Sie wirken stimmverstärkend, vielleicht die Stimmen derjenigen, die nicht genug gehört werden, vergessene Stimmen, Stimmen der Vergangenheit.“

Oft waren diese Keramikvasen, genauso gut könnten sie auch Tongefäße heißen, auf eine bestimmte Weise angeordnet, zum Beispiel musterbildend oder in Wandmalereien eingebettet. Im bb15 sind sie nicht in eine Wand eingelassen, sondern ohne Wand, durch eine Stab-, Stahlkonstruktion gehalten. In jedem Tongefäß befindet sich ein Lautsprecher. Die in Linz aufgenommenen Erinnerungen und Geräusche werden in der Installation, die so auch eine Komposition ist, von Tongefäß zu Tongefäß wandern, von Schallkörper zu Schallköper.

Jede dieser „vase acoustique“ ist von Hand gefertigt und gebrannt, jede hat eine eigene Form, besitzt ihre eigenen Unregelmäßigkeiten, Verunreinigungen, und so klingt der gleiche Ton in jedem Schallgefäß verschieden. Aber jedes Gefäß vibriert, hat eine Resonanz, verstärkt den Ton oder wird vielleicht auch von anderen im Raum befindlichen Tongefäßen in Schwingungen versetzt. Sie verändern sich gegenseitig, klingen gemeinsam.

Ein bildloses Erinnern, oder hier, noch entfernter, eine fremde Erinnerung. Mitten in Linz eine Erinnerung an Linz, aber nicht die eigene. Vielleicht in dieser Installation nicht einmal mehr die Erinnerung der Künstlerin, sondern etwas anderes, das niemandem gehört, und nur jetzt, hier, im Moment des Hörens existiert. Die Tongefäße sind nicht in Augenhöhe, sie sind auf Ohrenhöhe angebracht. Sie sind nicht verschlossen, aber trotzdem ist eine Öffnung notwendig. Nicht die Ohren spitzen, aber den Körper zu einem Organ des Hörens machen.

ce qu’il reste des échos. Die Installation „ce qu’il reste des échos“ bedient sich akustischen Töpfen, Klangkörper, die in Kirchen zur Verstärkung oder Veränderung der Stimmen von Predigern und Chören verbaut wurden. Damals wurden sie als Brücke zwischen Gebeten und dem Gesang der Engel im Himmel angesehen. Für die Soundinstallation wurden Keramiktöpfe in unterschiedlichen Formen und Resonanzen geschaffen und mit Lautsprechern ausgestattet, um eine räumliche Klangumgebung im Ausstellungsraum zu erzeugen. Geräusche wie Stimmen, Echos und Field Recordings, Erinnerungsstücke besuchter Orte, werden durch die Gefäße verstärkt – und die Töpfe in einen zeitgenössischen Kontext gebracht.

Clarice Calvo-Pinsolle stammt aus dem Baskenland, lebt und arbeitet in Brüssel, wo sie ihrer Klang- und Skulpturforschung nachgeht. Sie entwirft immersive Installationen, die mit der Wahrnehmung des Betrachters spielen. Ihre Arbeit kreist um den Begriff der Erinnerung und die Sicherung von Erinnerungen, insbesondere durch Klang. Sie hat an verschiedenen Orten wie der Yvon Lambert Foundation in Avignon, dem Museo de la Universidad in Santa Marta in Kolumbien oder dem Hotel de Vogue in Dijon ausgestellt. Ihre musikalisches Projekt werden unter dem Namen Lamin veröffentlicht. www.claricecalvopinsolle.com

Clarice Calvo-Pinsolle
ce qu’il reste des échos
Ab 22. März 2022 im bb15
bb15.at