Archiv für die Kategorie: Kunst und Kultur

Sarah Held fühlt sich grundsätzlich so gar nicht abgeholt von den üblichen, so genannten Frauenzeitschriften. Nachdem sie ausführlich berichtet warum, empfiehlt sie als lokalen Tipp für die Kennerin* der Materie oder für alle, die es werden wollen, das Gloss-Magazin.

Gloss Cover. Bild Gloss/Pangea

Ich hasse sogenannte Frauenzeitschriften, weil sie mir erzählen wollen, was sogenannte Frauen- und Männerthemen sind. Frauenzeitschrift, Frauenthemen – Frauen, Männer, sonst wird da niemand repräsentiert. Es ist das Patriarchat in der Nussschale, gezeigt am Beispiel von sogenannten Frauenthemen und der damit automatisch verbundenen Angst des Cis-Mannes, auch im – natürlich geglaubten – Habitat Zeitschriftenauslage ein Stück abtreten zu müssen.
Gern gehe ich in die Trafik oder in den Bahnhof-Zeitschriftenladen, wo mich innerlich immer so eine schöne, wohlige Hasstirade überkommt, die meinen ganzen Körper durchströmt, weil das Angebot so geil ist. Da fühle ich mich abgeholt und meine Interessen befriedigt. Das Angebot changiert zwischen Selbsttuning, Autotuning, Familientuning, Haustiertuning, Jugend-Tuning, was weiß ich denn, was es noch für Tunings gibt, Royals und noch viel abgründigeren Sachen. Ja, abgründig, so fühlt sich ein Blick in die Zeitschriftenauslagen an. Zeig mir deine hässliche Fratze, Mainstreamgesellschaft, materialisier dich in Form von Brigitte oder Blonde.
Manchmal, also ganz selten, frage ich mich, warum ich so angepisst bin. Bitte nicht falsch verstehen, es ist nicht so, dass ich grundsätzlich grantig oder griesgrämig drauf wäre. Ganz im Gegenteil, ich bin so voll die Lustige, aber trotzdem bin ich randvoll mit Hass. Nein, nicht die Art Hass, die Leute dazu bringt, andere wegen ihrer Hautfarbe zu hassen, oder die Sorte, die Leute dazu bringt, andere wegen ihres Geschlechts oder ihrer sexuellen Begierden umzubringen. Mein ganz persönlicher und privater Hass besteht aus mehreren Schichten, zusammengesetzt sind diese von unterschiedlicher Dichte und Konsistenz. Quasi ein über Jahre gereiftes und gewachsenes Hasskonglomerat, das sich mit der Zielgenauigkeit einer Scharfschützin auf das Patriarchat richtet.
Wenn ich die Zeitschriftenregale so taxiere, frage ich mich: Wo sind Hefte in denen (feministische) Frauen, Femmes, Non-Binaries sich ungehemmt selber feiern können? Sind sie etwa unsichtbar in dem Wirrwarr aus gestählten Photoshop-Brüsten, öligen Motoren, den Diättipps von Prinzessin Herta von Absurdistan oder dem dargestellten nacktem/rohen Fleisch!? Es wäre ja einfach zu sagen: „Die übersieht man halt leicht!“ Aber das stimmt nicht, denn sie sind einfach so gut wie nicht vorhanden. Im Zeitschriftenregal genauso wenig repräsentiert und selbstverständlich wie in der Mehrheitsgesellschaft. In der gutsortierten Trafik oder dem Bahnhofskiosk eures Vertrauens, und damit meine in den W I R K L I C H gut sortierten, finden sich das Missy Magazin oder die Anschläge, aber dann ist auch schon Schluss mit dem Feminist-Content. Das ist doch zum Kotzen, ja genau so richtig zum Kotzen. Wo sind die richtigen Frauen*themen wie Kunst, Revolution, Subversion, Latex, Schallplatten, Kulturkritik, Politik machen, Spandex, Bodypositivity oder Eisenwaren?
Das bringt mich zurück zu meiner Hass­tirade. Wie es sich für eine ordentliche patriarchale Haltung gehört, haben die Typen doch eh bloß Angst, dass in Zukunft die Regale am Bahnhofskiosk, Premiumformate wie Beef (ja, das heißt wirklich so), BusinessPunk oder öde Männerbefindlichkeitsblätter, wie die Men’s Health zusammenrücken müssten. (Frauenzeitschriften gehören da auch dazu, die möchte ich aber nicht auch noch aufzählen.) In meiner Vorstellung läuft das dann ungefähr so: Oh nein, da kommt ein feministisches Magazin, wo sollen denn nun all die Viagra-Absatzförderungsmaßnahmen in Form von übersexualisierten Frauenkörpern, die an schlabberpenisbesitzende Herren mit kreisrundem Haarausfall adressiert sind hin!? Es geht hier nicht nur um Regale, sondern um ganze Läden voll mit Schundheftchen, die zwischen Haarimplantaten, Penisprothesen aka fette Autos und monströsen Grilllandschaften oszillieren. Das Programm wird eben dann unter anderem mit sogenannten Frauenthemen-Heften aufgepeppt, und da geht’s um Diättipps, Hetenprobleme oder Stylingtrends, alles auch schon wieder binär und stereotyp aus patriarchaler Perspektive. Visuell fühlt es sich an, als würde ich von allen Seiten mit Scheiße beworfen werden. Nun gut, ich verliere mich in meinem eigenen Rant. Was sind denn nun diese ominösen sogenannten Frauenthemen? Warum haben es diese schäbigen Blätter eigentlich scheinbar so einfach und werden von der Öffentlichkeit so unkritisch konsumiert? Eh klar, ne rhetorische Frage, ich habe ja schon mal was von patriarchal-kapitalistischen Strukturen gehört.
Was ist nun los, wenn ich keinen Bock habe zwischen einem Gros aus Kacke und Scheiße, bekannt als „Fachzeitschrift“, zu wählen? Nein, ich meine nicht, irgendeinen geilen Shit online zu bestellen, der für die örtliche Kundschaft nicht zugänglich ist, ich meine auch nicht irgendein zusammenkopiertes Cut’n’Paste-Zine. Oh, da fällt mir ein, ich habe bisher die sogenannten Musikzeitschriften „vergessen“, sowas wie die Intro (haha!), das Ox, peinliche Metal-Hefte oder so Dad-Rock-Schinken wie den Rolling Stone, ich habe es so satt. Diese ganzen Dudes schreiben Dude-Sachen für Dudes. Letztlich ist es im Zeitschriftenregal genauso wie in den meisten gesellschaftlichen Räumen, Dudes feiern sich ab – Zeitschrift gewordene Langeweile.
Worauf ich raus will, wenn feministische Themen doch schon so hip und kapitalisiert sind, dann bitte aber echt mehr! Gerne auch die „sperrigen“, nicht so richtig vermarktbaren Themen wie Frauen*morde, sexualisierte Gewalt oder Migration/ Flucht. Es wäre super, wenn ich im Laden zwischen mehr als zwei feministischen Magazinen auswählen könnte. Und mit diesem Wunsch wechsle ich zu positiven Ausnahmen, zu einem in Linz erscheinenden Magazin: Als lokalen Tipp für die Kennerin* der Materie, oder alle, die es werden wollen, empfehle ich das Gloss-Magazin. Es wird von Pangea – Werkstatt der Kulturen der Welt geframed und ein großes Team aus unterschiedlichen Leuten mit verschiedenen Backgrounds basteln an den Ausgaben mit. Basteln, auch schon wieder so’n stigmatisiertes sogenanntes Frauenthema, aber was weiß denn ich schon, ich bin ja nur eine kleine Feministin. Zurück zum Thema: Gloss erscheint nicht regelmäßig, kommt aber immer mit einem neuen Themenschwerpunkt raus, der feministisch gerahmt ist. Die Ausgabe Gloss IV, beispielsweise, verhandelte feministische Sichtweisen auf Medien und Gesellschaft. Neben vielen wechselnden Akteur*innen trägt in fast allen bisherigen Ausgaben der Verein Maiz etwas bei. Es macht Spaß, Artikel über die Dekonstruktion von Werbebildsprachen zu lesen und Nachahmungen von Models und Werbeposen aus Alltagsperspektive unter Nutzungsaspekten zu sehen. Die Hefte liefern eine interessante Mischung aus gar nicht so spaßigen bis sehr unterhaltsamen Inhalten an. Gut, dass dieses Jahr Gloss V erscheint, es wird sich mit der Themenwelt Krise aus der Perspektive von Frauen* und Mädchen* auseinandersetzen: „Das GLOSS-Magazin erscheint im Jahr 2020 in seiner fünften Ausgabe und widmet sich unter dem Titel Frauen*stimmen dem Thema Krisen aus feministisch-diskursiver Perspektive. Um dem Gefühl einer wachsenden Unzufriedenheit, Ohnmacht und dem Nichtstun in den gegenwärtig spürbaren Krisen entgegenzuwirken, baut diese Ausgabe auf bestehendes Wissen auf und schafft ein Sprachrohr für ein Sichaufbegehren und Die-eigene-Stimme-Finden“ (Vgl. Call für die 5. Ausgabe: pangea.at/de/programm/gloss-vol-v). Was Gloss auszeichnet, ist, dass die Betreiberinnen partizipativ und mit einem festen, gleichbleibenden Team an Beitragenden zusammenarbeiten. Das bringt viele Leute und Ideen zusammen und es wird auch in der kommenden Ausgabe sicher wieder ein buntes Potpourri aus Frauen*themen im Heft versammelt. Laut werden, Teil vom Diskurs sein, sich der Öffentlichkeit aus der eigenen Position zeigen und damit die eigene Perspektive auf Gesellschaft sichtbar machen, das ist die Devise von Gloss. In der nächsten Ausgabe werden auch wieder (feministische) Initiativen, Vereine und Einzelpersonen ihre ganz individuellen Schwerpunkte und themenbezogene Haltungen darstellen. Daneben wird es auch wieder eine Menge an künstlerisch-gestalterischen Werken geben, die das Heft so lebhaft auszeichnen. Zudem gibt es auch immer verschiedene Ansätze aus Kunst, Kultur und politische Themen. Besonders schön ist, dass sich Feminismen im 21. Jahrhundert auch dahingehend entwickelt haben, sich nicht mehr so stark über die Negierung, bisweilen Ablehnung von Femininität und stattdessen über Aneignung von vermeintlicher Maskulinität zu definieren. Gloss, Missy und Anschläge zeigen, dass durch die Genderbrille nicht nur Butler, Truman, hooks, Anzaldua, Davis und so gelesen werden können, sondern darunter auch ein fesches Make-Up getragen werden kann.

Alle vier Ausgaben des unregelmäßig seit 2013 erscheinenden Gloss-Magazines: pangea.at/de/gloss-magazine

GLOSS Vol. V wird diesen September erscheinen und im selben Monat bei einer Release-Feier präsentiert. Genaues Datum: Watch out, pangea.at/de

Hans Eichhorn ist im Februar diesen Jahres verstorben. Erwin Einzinger über den Schriftsteller.

Bild Nachlass Hans Eichhorn; OÖ. Literaturarchiv/Adalbert-Stifter-Institut

Falls Sie selber schreiben oder sich auf andere Weise kreativ oder erfinderisch betätigen – und dies trifft vielleicht auf etliche derer zu, die vorliegende Kunstzeitung gern lesen –, darf ich als Möglichkeitsspiel gleich zum Einstieg diese Frage stellen: Kennen Sie jemanden, mit dem oder der zusammen Sie sich vorstellen könnten, auf irgendeinem künstlerischen Feld Gemeinschaftsarbeiten zu fabrizieren und vielleicht sogar ein Buch in Koproduktion zu schreiben? (Es wäre freilich zu bedenken, wie kompliziert und egozentrisch und in sich versponnen nicht wenige aus unserer Branche angeblich sind …) Hans Eichhorn habe ich in Rauris vor gut sechsunddreißig Jahren zum ersten Mal getroffen. Als wir dann versuchsweise schließlich auch einmal zusammen etwas produzieren wollten, waren wir seit mehr als zwei Jahrzehnten Freunde. Der Impuls dazu kam, wie ich mich erinnere, damals von ihm, es ging um Malerei. Er rief mich eines Morgens an, er habe gerade alles vorbereitet, ich solle an den Attersee kommen, um das schon mehrmals vage angedachte Unternehmen einfach einmal anzugehen. Und am Ende dieses Tages hatten wir so zirka zwanzig wilde Bilder auf Karton, die meisten im Format 100 x 70 cm. Die Idee, etwas Vergleichbares dann auch mit Literatur zu wagen, lag für uns beide nahe. Hans hatte eines Tages einen Plan für ein Theaterstück und ließ mir für meinen Anteil völlig freie Hand, gab mir nur Hinweise zu den Figuren und zum groben Handlungsplan, und danach schrieben wir drauflos, jeder auf bestimmte Kernaspekte fokussiert. Ich hatte durch die vielen Dramolette, die er bereits verfaßt hatte, längst Geschmack daran gefunden, mich auch an Dialogen zu versuchen, und in unserem Konzept gab es genügend Raum für Ungewöhnliches und echten Irrwitz, obwohl ich immer spürte, daß Hans in etwa wußte, wohin das Stück sich letztlich zu entwickeln hatte.
Das nächste war dann ein erzählendes Projekt, Post aus Palermo, diesmal machte ich den Anfang. Ausschnitte daraus wurden dann später in der Grazer Zeitschrift manuskripte sowie in einer Sonderausgabe der Linzer Rampe abgedruckt. (Mit Schmunzeln und ein wenig Wehmut stieß ich im Verlauf meiner Lektüre seines umfangreichsten und vorletzten Buchs, des imponierenden Romans FAST das Große Haus, der im Vorjahr erst erschienen ist, auf eine Stelle, wo er einmal kurz eine Figur aus diesem längst abgeschlossenen gemeinsamen Projekt vorkommen läßt, eine extreme Dame aus dem geheimnisvollen Graubündner Landschaftstheater …)
Unser ebenfalls in Zusammenarbeit geschriebenes Langgedicht Herbstsonate ist dann als einziges unserer Gemeinschaftsprojekte auch als Buch erschienen, in der edition sommerfrische im Rahmen der Bibliothek der Provinz, bis zur Fertigstellung sorgfältig betreut vom Fotokünstler Klaus Costadedoi, mit dem zusammen Hans bereits zuvor mehrere Prachtbände mit Fotos aus der Attersee-Region in Kombination mit Kurzgedichten realisiert hatte.

Unsere erste Begegnung fand also 1984 in Rauris statt, ich war als Preisträger eingeladen, hatte bereits zuvor als Juror für einen parallel zu vergebenden Förderpreis einen anonym eingereichten Prosatext mit dem Titel Die Keuschheitsecke als eindeutigen Favorit auf meiner Liste gehabt. Der Förderpreis ging zwar, weil die beiden Mitjuroren den Beitrag eines anderen Autors, von dem ich nie mehr etwas gehört habe, noch besser fanden, nicht an den uns damals unbekannten Hans Eichhorn aus Attersee, aber er erhielt ein Arbeitsstipendium, und so fing alles an.
Hans lebte im elterlichen Fischerhaus am See, hatte in Salzburg kurze Zeit ein Studium betrieben, das er aber bald schon aufgab, um sich intensiv der Literatur und auch der Fischerei zu widmen. Es dauerte nach Rauris allerdings fast ein Jahrzehnt, bis dann sein erstes Buch im Residenz Verlag erschien, der Gedichtband Das Zimmer als voller Bauch, mit einem blauen Fisch am Boden eines leeren Zimmers auf dem von Walter Pichler stammenden Umschlag. Von da an kamen in erstaunlicher Geschwindigkeit die weiteren Werke heraus, etwa der Roman Circus Wols, eine großartige Studie zu Leben und Werk des einem breiteren Publikum leider immer noch wenig bekannten bildenden Künstlers Otto Wolfgang Schulze, der seinen Namen zu Wols verkürzt hatte und dessen kleinformatige Bilder von hoher Expressivität Hans Eichhorn stets geschätzt hat. Zugleich liefert der Roman beinahe tagebuchartige Protokolle aus dem Alltag des Schreibenden, wobei immer wieder erstaunliche Verbindungen zu Biografie und Bildern des Künstlers Wols hergestellt werden.

In seiner eigenen bildnerischen Tätigkeit entwickelte Hans ziemlich bald eine ganz spezielle Arbeitsweise, indem er vorwiegend auf Abfallmaterial produzierte, etwa leere Milchpackungen auf der beschichteten Seite übermalte, wobei er für sein Malen weniger den Pinsel nutzte als die Spachtel oder seine Finger. Auch ließ er stets dem Zufall großen Raum und integrierte manches aus dem Hintergrund von Schachteln und Kartons jeglicher Art in das sich rasch entwickelnde Tableau, das kaum Figuratives lieferte, sondern die Kraft der Farben wirken ließ.
Viele seiner Bildschöpfungen verwendete er früh als Postkarten, die er über all die Jahre an die Freunde und Kollegen schickte. Mit dem Autor und bildenden Künstler Richard Wall hatte er schon 1996 einen regelmäßigen Bildkartenaustausch begonnen, ein Projekt, das später ausschnittsweise auch im Stifterhaus besichtigt werden konnte, in einer höchst originellen Ausstellung, betitelt Grüße an das russische Volk.
Einen guten Eindruck von seiner bildnerischen Arbeit kann man allerdings auch im bereits erwähnten Roman FAST das Große Haus bekommen, erschienen in der Bibliothek der Provinz und mit zahlreichen Farbreproduktionen seiner Bilder illustriert. Darin heißt es auf Seite 567 einmal: Es gab ja einen ungeheuren Fundus an gelebten und erlebten Eindrücken, die völlig unkontrolliert an die Oberfläche schwapp­ten und wieder verschwanden. Dieser Satz bezieht sich zwar in erster Linie auf das Schreiben, aber auch an seinen Bildern kann man sehen, daß die Arbeit mit gelebten und erlebten Eindrücken stets das Flüchtige und Fließende betont.
Als dieses umfangreichste seiner Bücher wie ein abschließender Meilenstein erschien, hatte Hans Eichhorn nicht nur, aber vor allem in der Literatur längst ein beeindruckend vielschichtiges Werk aus etwa dreißig Büchern geschaffen, die in den beiden Verlagen Residenz und Bibliothek der Provinz publiziert wurden. Der letztgenannte Verlag kümmerte sich neben zahlreichen Prosa- und Gedichtbänden auch um seine einzigartigen Dramolette, Szenen und Mikrogramme. Aber daneben gab es über die Jahre auch unzählige verstreute Veröffentlichungen in den verschiedensten Zeitschriften, und wer sich diesbezüglich einen Überblick verschaffen will, kann das anhand einer Sonderausgabe der in Linz erscheinenden Zeitschrift Die Rampe tun, die ein ausführliches Porträt von Hans Eichhorn und zahlreiche Beiträge zu seiner Arbeit enthält und von der Literaturwissenschaftlerin Alexandra Millner herausgegeben worden ist.

Noch einmal ein Blick zurück: Nachdem seine Frau Elisabeth an der Handelsakademie in Kirchdorf zu unterrichten begonnen hatte, verlagerte sich das Leben von Hans Eichhorn ins Kremstal, wo die Kinder Rosa, Johannes und Andreas dann auch Kindergarten und die Schulen besuchten. Zum Fischen fuhr er je nach Jahreszeit und Fangsaison regelmäßig ins Elternhaus am See, aber einen großen Teil der Zeit war er fortan in Kirchdorf, sodaß wir regelmäßige gemeinsame Spaziergänge in den Wäldern am Wienerweg in Micheldorf vereinbarten, bei denen wir uns unter anderem auch viel über unsere jeweiligen Arbeitsvorhaben unterhielten.
Hans betrieb in seinen Büchern eine intensive Forschungsarbeit mit dem Material Sprache, ausgehend von einem Einzelsatz versuchte er zu erkunden, wohin Spontanbeobachtung und Assoziationsprozesse ihn trieben, ohne daß er dazu die Konstruktion erfundener Geschichten zu Hilfe nehmen wollte. Jeder neue Anlauf zu einem Projekt hatte den deutlichen Charakter eines Experiments, bei dem sehr vieles möglich war und sich die Form erst nach und nach ergab. Das Prinzip der Wiederholung und des Schürfens und Vertiefens spielt dabei vor allem in der Prosa eine Rolle, während in den Gedichten meist imponierende Augenblicksnotate und Impressionen wie in Großaufnahme präsentiert werden.

Die meisten seiner Bücher sind zum Glück auch nach wie vor erhältlich, vor allem deshalb, weil sein langjähriger Verleger Richard Pils eine in dieser Art vermutlich einzigartige Lagermöglichkeit in den Räumlichkeiten von Schloß Raabs im Waldviertel besitzt. Unter der schon erwähnten und ohnehin weithin bekannten Verlagsadresse Bibliothek der Provinz sind sie weiter lieferbar.
Das letzte Buch – ein Prosaband mit dem Titel Ungeboren – war soeben erschienen, als meine Frau und ich den schon seit langer Zeit schwer Kranken in der Palliativstation des Vöcklabrucker Krankenhauses noch einmal besuchen konnten. Es ist dies eine um Entstehen und Vergehen kreisende Studie mit zarten Illustrationen aus der auf Repetition und minimale Variationen setzenden Zeichenpraxis von Tochter Rosa. Ein nächstes Manuskript, hat seine Frau uns einen Tag nach seinem Tod erzählt, hatte er noch auf dem Sterbebett weitgehend redigiert. Auch diese ungebrochene Schaffensenergie, die bis zuletzt so typisch war für ihn, haben nicht wenige seiner Kollegen stets an ihm bewundert.

Für seine literarische Arbeit hat er zahlreiche Preise erhalten, neben dem manuskripte-Preis des Landes Steiermark auch den Landeskulturpreis Oberösterreich und zuletzt in Salzburg den renommierten Georg-Trakl-Preis für Lyrik, ehe er zwei Monate vor seinem Tod noch den Heinrich-Gleißner-Preis in Linz verliehen bekam.
Schon nach der Veröffentlichung seines ersten Gedichtbands hatte er Einladungen zu Werkstattgesprächen im berühmten Lessinghaus in Wolfenbüttel und einen Arbeitsaufenthalt in Amsterdam erhalten.

Seine bildnerischen Arbeiten wurden immer öfter in Ausstellungen präsentiert, hervorzuheben wäre dabei auch eine außergewöhnliche Aktion, bei der er mit dem Künstler Klaus Krobath zusammenarbeitete und Leinwände einige Wochen lang in den See versenkte und die Mikroorganismen und Algen ihre Arbeit verrichten ließ. Die Ergebnisse wurden im Jahr 2000 im Linzer Stifterhaus präsentiert, wo zahlreiche Lesungen aus seinen fast im Jahresrhythmus publizierten Büchern stattfanden und auch insofern als einzigartig in Erinnerung bleiben werden, als er stets geräucherte Fische aus dem Attersee für ein willkommenes Büffet mitbrachte.

Vor ein paar Jahren hat mir Hans leicht amüsiert erzählt, welches Erlebnis dazu führte, daß eines Tages pausenlos und häufiger als je zuvor sein Telefon geläutet hat. Es hatte nichts mit seiner Tätigkeit als Autor oder Maler zu tun, aber die Zeitungs- und die Rundfunkleute, die sich meldeten, wollten alle davon berichten, daß er auf einer seiner Fahrten auf den See nach zwanzig Jahren und aus neunzig Metern Tiefe zufällig seine eigene Geldbörse geborgen hatte. Das Ankerseil des Fischerboots hatte sich um den dreizackigen Stahlanker gewickelt, daß dabei ein Knäuel entstand, und darin fand sich die Geldbörse samt Bankomat-Karte und rund 500 Schilling Bargeld. Keines seiner Bücher hat offenbar so viele Journalisten zur gleichen Zeit interessiert, die traditionellerweise meist, wenn sie über ihn und seine Arbeiten berichteten, zu dem naheliegenden Vergleichsfeld griffen, daß er als der vermutlich einzige bekannte Schriftsteller, der zugleich Fischer war, bei seiner künstlerischen Arbeit ebenfalls die Netze auswarf, nur eben diesmal auf der Suche nach Worten oder Bildern aus seinem Bewußtseinsraum.
In einem Filmbeitrag über Marseille war zufällig unlängst ein Fischer zu sehen, der viele Jahre nach dem Absturz des Schriftstellers und Fliegers Antoine de Saint-Exupéry vor der südfranzösischen Küste dessen Armbanduhr mit eingraviertem Namen aus der Tiefe gezogen hat.

Nicht erst, seit Hans nicht mehr am Leben ist, lese ich immer wieder in dem einen oder anderen seiner Bücher, wobei ich eine besondere Vorliebe für seine höchst eigenwillige Prosa habe. Im Residenz Verlag waren neben dem Circus Wols-Roman noch weitere großartige Erzählbände erschienen: Die Liegestatt (2008), Das Fortbewegungsmittel (2009), Und alle Lieben leben (2013).
Und ganz besonders schätze ich ein wunderbares Experiment, in dem er auf der Basis des ungarisch-schwäbischen Märchens vom Ichweißnicht dessen Erzählkern immer wieder variiert und zugleich auch auf seinen Alltag zu beziehen sucht. Es ist dies der 2009 im Verlag Bibliothek der Provinz erschienene Band Das Ichweißnicht-Spiel. Gleich auf der ersten Seite heißt es darin programmatisch: Ein Märchen zerdröseln, es so lange lesen und nacherzählen, bis der Leser oder Nacherzähler in diesem Märchen lebt, es als sein Lebensmärchen weiß und weitergeben will. Drei vorangestellte Motti stammen von Peter Handke, Franz Kafka und Samuel Beckett, den Hans sein Leben lang geschätzt und überaus bewundert hat.
Dessen bekannte Großzügigkeit und Bescheidenheit hat er auch selbst auf seine ganz eigene Art gelebt. Das Kafka-Zitat endet mit dem Satz: Wer die Fragen nicht beantwortet, hat die Prüfung bestanden.
Daß das Nichtwissen, das Zögern und versuchsweise Vorantasten ebenso wie das Abwägen und im Selbst- oder Zwiegespräch ins Extrem getriebene Räsonieren ein Merkmal seiner gesamten Arbeit ist, wird mir beim erneuten Lesen seiner Bücher immer klarer. Auch wirken die Figuren in den Dramoletten oft gescheitert, dabei sind sie bloß nicht gewillt, gewisse Kompromisse mit den Kategorien eines Durchschnittslebens einzugehen, und sie beharren dabei auf Charakter, Eigenart und einem wachen Sprachbewußtsein, was einerseits zu Komik führt, aber zugleich eine Wahrheit transportiert, die im Alltag oft nicht wirklich eine Chance erhält.

Hans ist am 29. Februar verstorben, knapp zwei Wochen nach seinem Geburtstag und zwei Tage nach dem dreiunddreißigsten Hochzeitstag, den er mit seiner Frau noch zu Hause erleben wollte. Die Söhne, von denen einer zumindest im Nebenberuf die Fischerei weiter betreiben wird, waren ebenfalls rechtzeitig gekommen.
Sein Grab ist wenige Schritte von dem Ort entfernt, an dem einst zufällig unsere erste gemeinsame Lesung stattgefunden hat, dem Pfarramt Attersee, vor mittlerweile schon recht langer Zeit. Und der Zufall, wie man so sagt, hätte es anscheinend noch gewollt, daß wir im heurigen März – ganze sechsunddreißig Jahre nach unserer ersten Begegnung – erneut beide in Rauris eingeladen gewesen wären.

NEIN, ES IST NICHT BESSER GEWORDEN,
die geschwollenen Füße zeugen von der
Vertümpelung deines Kreislaufes. Noch
läufst du, ja, doch die Nudelsuppe hast du
über und die Grießnockerl sind dir Beifang
genug und der Reinankenrogen rutscht dir
mit Verlaub den Buckel hinunter. Zweite
und dritte Fangzäune sind entlang der
Skirennpiste aufgestellt. Schon zappelt
einer, wird mit dem Hubschrauber
abtransportiert. Die Strecke ist eisig,
die Kanten geschärft, der Bestzeitdruck
das Ein und Alles. Katzenkleines schläft
mit leicht zuckenden Pfoten. Ja, es ist nicht
schlecht genug, nein, die Restnacht
schürt keine Erwartung mehr.
(Aus: „Nur mehr das Blühen“, Edition Sommerfrische)
Textzitat: stifterhaus.at

Die erwähnten Rauriser Literaturtage wurden heuer wegen der Corona-Krise abgesagt. Ebenso die Veranstaltung im Stifterhaus am 27. April: „Abschied von und Hommage für Hans Eichhorn (1956–2020)“

Jakob Lena Knebl ist Künstlerin, Kuratorin und „Walrus“, baut utopische Räume, erforscht und bildet Visionen wie sonderbare Atmosphären. Sie arbeitet mit Spiegelungen, Wiederholungen und Auslassungen, mit Irritationen und raschen Szenenwechseln. In „Frau 49 Jahre alt“ inszeniert sie im Lentos ein Environment im Stil der 1970er-Jahre, das Werke aus der Sammlung des Kunstmuseums mit eigenen Arbeiten verknüpft und ähnlich einem Baukasten präsentiert. Bettina Landl ist bei einer Künst­lerinnenführung durch die Ausstellung mitgegangen und berichtet.

Ausstellungsansicht mit Sylvie und Sean im Hintergrund. Foto maschekS.

Twins, 2020. Foto Christian Benesch; © Bildrecht Wien, 2020

Zwei Ausstellungsräume, einem Puppenhaus ähnlich, zeigen die Dichte, in und mit der Knebl arbeitet. „In meinen Arbeiten führe ich die Kunst- und Designgeschichte zusammen. Mir geht es dabei um eine Demokratisierung der beiden Felder.“, schildert die 1970 in Baden geborene Künstlerin ihre Überlegungen. „Mittlerweile ist es zu einer Methode von mir geworden, mit Sammlungen zu arbeiten, weil ich damit zeigen kann, woher ich meine Inspiration als Künstlerin beziehe. Ein Vorteil dabei ist, dass ich keinen kuratorischen Normen entsprechen muss. Man verzeiht es einer Künstlerin, wenn sie ein Gemälde Paula Modersohn-Beckers vor den Druck eines Schweinsbratens hängt.“

Körper in Szene setzen
Wenn im ersten Ausstellungsraum ein grüner Teppich über den Boden gelegt und die Wände entlang angebracht wird, bunt gemusterte Tapeten und Puppen­skulpturen mit kunsthistorischen Positionen in Dialog gebracht werden und sich Knebl darin als Kunstfigur inszeniert, wird auf derbe und plakative Weise dabei auch ein Abbild unserer Kultur offenkundig. Exponate aus der Sammlung des Lentos wie Egon Schieles „Bildnis Trude Engel“ (1912/13), Helene Funkes „Drei Frauen“ (1915), Paula Modersohn-Beckers „Landschaft mit drei Kindern und Ziege“ (1902), Albin Egger-Lienz’ „Ila, die jüngere Tochter des Künstlers“ (1920) oder May Matthias’ „Mädchen vor dem Spiegel“ (undatiert) lenken den Blick augenscheinlich auf den Körper (der Frau), wenn bewegliche Gliedmaßen aus schimmerndem Textil mit an einer Kette befestigten Geschlechtsmerkmalen (Penis, Brüs­te und Vagina) geschmückt sind. Skurril verschränken sich in einer wild-hierarchielosen Mischung und in einem Neben- oder Ineinander historische Bilder mit Knebls Objekten, die Voodoo-Puppen ähneln. Der kultische Raum wird dominiert von einer Schamlosigkeit sowie bizarren Setzungen, in der infantile Optik konsequent durch einen Werkstatt- bzw. Wohnzimmercharakter des Environments gebrochen wird.

„Wenn ich bisher oft mit Design arbeitete, das im Kanon als hohes Design gilt wie zum Beispiel Verner Panton oder Joe Colombo, gehe ich bei der Ausstellung im Lentos in die Gestaltung des Bastelbuchs.“ Dabei orientiert sich die Künstlerin neben kunsthistorischen Referenzen auch an Popkultur, wodurch die Atmosphäre etwas Organisches impliziert und der Anspruch der Moderne, Kunst und Leben ineinander aufgehen zu lassen, auf unkonventionelle Weise eingelöst scheint.

Frage der Identität
Auf Einladung der künstlerischen Direktorin Hemma Schmutz setzte sich die Künstlerin mit der Sammlung des Lentos auseinander und führte eine Auswahl mit eigenen Arbeiten zusammen. „Für mich geht es um die Frage der Identität und wie Identität entsteht durch die Dinge, mit denen wir uns befassen oder den Menschen, mit denen wir uns umgeben und auch den Dingen oder der Kunst, auf die wir schauen. Wie werden wir durch unser Umfeld?“

Seit geraumer Zeit befasst sich Knebl mit den 1970er-Jahren, war diese Dekade doch von vielen gesellschaftlichen Umbrüchen geprägt. „Das Eherecht, die Bürgerrechts- und Frauenrechtsbewegung, dann gab es Utopien und Visionen in der Architektur. Also plötzlich wurde alles ganz bunt. Eine ganz andere Ästhetik, das Populäre wurde wichtig, die Popkultur. Vieles, was in den 60er-Jahren als Subkultur galt, ist Mainstream geworden. Ich möchte diesen nutzen, weil es Freude machen soll, die Ausstellung zu besuchen. (…) Der Alltag ist das Moment, um Bezüge zum Publikum herzustellen. Alltagsgegenstände wie zum Beispiel eine Küche benutze ich auch oft als Display für die Kunst“. So arbeitet die Künstlerin beispielsweise direkt mit einem Torso aus der Sammlung, erweitert aber Material und Form. Knebls Arbeiten gleichen Kommentaren als eine Folge ihrer Auseinandersetzung mit Vorhandenem, zeugen von Ausdruck und Ergebnis eines kollektiven Eingebunden-Seins.

„Ich bin sehr plakativ.“
Mit ihrer Frau Ashley Hans Scheirl, eingehüllt in bunten Morphsuits und ineinander verschlungen, zeigt sich Knebl in einer Fotomontage prinzipientreu, was besagte Bastelbuch-Ästhetik betrifft. Insgesamt ist auch Transgender ein Thema, die sich in Bewegung befindliche Identität. Bezogen auf diesen Diskurs stellt sich etwa generell die Frage nach dem Geschlecht der Puppe(n), die es zu entscheiden gilt – oder auch nicht. „Ich finde Art Brut besonders spannend. In meinen Ausstellungen zeige ich auch gerne, was in Sammlungen nicht so oft sichtbar wird. Ich brauche immer etwas, das mich anzieht. Es geht stark um Begehren, weil durch Begehren verändern wir uns. Bei mir ist es jetzt die ‚sylvie‘ gewesen – als Plattencover, da dachte ich sofort, ich brauche die jetzt ganz groß da drin, das beruhigt mich und dazu stelle ich den Sean Connery“. Knebl empfiehlt dazu den Film „Zardoz“ von 1974.
„Ich bin sehr plakativ, da gibt es nichts Subtiles bei mir. Ich benutze den Begriff Humor. Ich finde Humor irrsinnig interessant. Wir können uns nicht wehren, wenn wir etwas witzig finden, ergreift uns das. Humor hat auch etwas mit Hierarchien zu tun. Wer darf über wen Witze machen? Dann gibt es die Figur des Harlekins, die aus der Gesellschaft der Commedia dell’arte stammt und die ist sehr ambivalent: Die ist der Heiler, ist aber auch böse und sie verbündete sich mit den Außenseitern und ist zum Narr des Königs geworden. Der Harlekin hatte eine eigene Funktion. Im Fasching zum Beispiel, da dürfen Hierarchien (noch) invertiert werden. Die Figur des Trickster finde ich sehr spannend. Also ich möchte mit Ästhetik, Sinnlichkeit und Humor die Leute berühren. Humor! Das ist auch so ein Tabu in der Kunst.“
Knebl findet es wesentlich, die Dinge direkt anzusprechen, ein Ventil aufzumachen. „Darf Kunst nur schön sein? Ja, natürlich! Sie ist ein spezielles Feld in der Gesellschaft“, argumentiert sie im Hinblick auf die oft gestellte Forderung nach einer politischen Funktion der Kunst. „Den Begriff Funktion finde ich interessant. Das Design muss eine Funktion haben. Wie ist das bei Kunst?“

Neugierde, um Fremdheit zu überwinden
Im zweiten Ausstellungsraum verkehrt die Künstlerin das Helle, Bunte und Überladene ins Dunkle, Eintönige und Ausgesparte. Hier setzt Knebl eine Fotoarbeit von Christian Skrein groß dimensioniert ins Zentrum. „Der Raum stellt die Frage, wie diskutiert wird, das Eigene, das Fremde? Wie geht man mit solchen Exponaten in einer Sammlung um?“ Knebl setzt Gottfried Helnweins „The Golden Age 1“ (Marilyn Manson als „schwarzer Mickey“, 2003) in die Mitte, davor zwei Plastiken, die aus der Zeit des Nationalsozialismus stammen. Daneben präsentiert Knebl ein Hologramm, in dem sie Zitate der Beatles rezitiert. In einem kurzen Video hantiert die Künstlerin mit verschiedenen Objekten. In Form rascher Szenenwechsel spricht sie in Keramikgefäße und führt das Prinzip, Gegensätzliches zusam­menzuführen, fort. In einem alten Wohnzimmerschrank aus dunklem Holz werden großteils peruanische Masken präsentiert und es wird einer Naturverbundenheit gehuldigt, die einem Kult gleicht. Ebenso ist ein zweites Video, das die Künstlerin gemeinsam mit Markus Pires Mata via Röhrenfernseher zeigt, „inspired by nature“. Darin agieren sie als „West-German 70s Pottery Curators“ wiederum mit Vasen der Firma Scheurich, streicheln und berühren sie, um sie schließlich im Wald in Szene zu setzen. „Scheurichs brauchen kei­ne Blumen. Scheurichs brauchen keine Blumen. Scheurichs brauchen keine Blumen.“ Wiederholung ist Programm und Töne werden zu einem Mittel, sich mit der Welt in Beziehung zu setzen.
„Für mich war das großartig, dass es hier zwei gleich große Räume gibt. Müsste ich mich entscheiden, würde ich immer den bunten nehmen, aber ich konnte jetzt einmal einen minimalen Raum ausprobieren, der dunkel ist, weil ich eben immer noch den zweiten Raum habe. Und natürlich zeigt dieser auch unsere dunklen Seiten“, beschreibt die Künstlerin ihre Entscheidung für Christian Skreins Fotografie „Help“ (S/W-Foto aus einer Fotoserie anlässlich der Dreharbeiten der Beatles zum gleichnamigen Film in Obertauern 1965). Und für „Objekte, von denen ich nicht weiß: Wie sind die da hergekommen? Oder auf der anderen Seite, ein Egger-Lienz, der in seiner Ästhetik von den Nationalsozialisten vereinnahmt wurde. (…) Er war im 1. Weltkrieg als Maler tätig und schuf Bilder, die das harte Leben zeigen und plötzlich wird diese Ästhetik genommen und wie gesagt, das ist sehr plakativ.“

„Ich will auch dabei sein.“
Die Puppenskulpturen hat Knebl vor knapp einem Jahr begonnen, weil sie sich gefragt hat, wie der Körper in den unterschiedlichen Formen dargestellt wird. Sie verbindet auch andere Werkstoffe damit wie Keramikköpfe, so beispielsweise ein in der Ausstellung gezeigtes Objekt, das wiederum inspiriert ist von Henri Moores „Head of a Woman“ (1926). „Es geht darum, wie unterschiedlich unsere Körper sind, mit welchen Materialien sie dargestellt werden und diese schließlich auch zu vermischen.“
Wie ein Puzzle hat sich die Ausstellung über mehrere Monate hinweg zusammengetragen, ebenso war der Titel „Frau 49 Jahre alt“ plötzlich da – entlehnt von einer Zeichnung Philipp Schöpkes aus den 1970er-Jahren. Die Tapeten stammen aus dem privaten Fundus der Künstlerin, die sich als „Ebay-süchtig“ bezeichnet. Dabei ist das Thema „Freiheit“ konstitutiv in jeglicher Hinsicht. „Die Installation hat sich leicht gefügt. Mich interessiert auch die Selbstermächtigung und wie eine solche geht. Man kann durch richtiges Fragenstellen das herauskitzeln, was sowieso schon da ist. Die Lehre und Vermittlung spielen eine große Rolle. Wie kann man Menschen zur Kunst bringen und sagen, du bist auch dabei?“
Es geht auch um ein Sich-Aneignen von Raum, um das Aufspüren von Relationen, von Setzungen in Bezug zu Objekten, die mit uns sind, uns umgeben, uns konstituieren. Es ist eine Begeisterung für Dinge und Materialitäten, die Knebls Arbeitsweise prägt und durch Form und Berührung, Annäherung und Entfernung von einem Dazwischen erzählt, in dem wir uns befinden.

Jakob Lena Knebl wird 2021 mit Ashley Hans Scheirl den Österreich-Pavillon bei der Kunstbiennale in Venedig bespielen. Wir gratulieren.

Jakob Lena Knebl. Frau 49 Jahre alt
Lentos Kunstmuseum Linz
Ausstellung bis 17. Mai 2020
lentos.at

Kombinierte Führung mit Highlights aus der Sammlung und der Ausstellung Jakob Lena Knebl: Donnerstags, 19.00 Uhr

Im Rahmen des diesjährigen Crossing Europe Festivals präsentiert sich Bernd Oppl als Featured Artist mit neuen Arbeiten im Lesesaal des Lentos Kunstmuseum. Florian Huber hat den zwischen Architektur, Film und Video arbeitenden Künstler im Vorfeld in seinem Atelier besucht.

Background, 2019: Beton, Stahl, LCD Display, Bildrauschen. Foto Bernd Oppl

Hidden Rooms, 2019. Foto Bernd Oppl

Der 1980 in Innsbruck geborene Künstler Bernd Oppl studierte Malerei und Grafik an der Kunstuniversität Linz sowie Video und Videoinstallation an der Akademie der bildenden Künste in Wien und verbindet in seinem dementsprechend vielgestaltigen Werk die Auseinandersetzung mit Plastik, Film und Installationskunst mit Fragen nach der Erscheinungsform und Wirkweise multimedialer Bilder.

Die zumeist in seinem Atelier im vierzehnten Wiener Gemeindebezirk gefertigten, auf den ersten Blick unscheinbar wirkenden Objekte aus Beton und aus dem 3D-Drucker, seine analogen und digitalen Filme oder die aus schwarzen Holzleisten bestehenden Rauminstallationen entziehen sich dabei häufig einer Etikettierung, wie etwa der Blick auf eine jüngst gemeinsam mit Elisabeth Molin 2019 entstandene Skulptur verrät. Poetry prangt als Gravur auf der Vorderseite des 25 x 20,5 x 22,5 cm großen Betonquaders, an dessen Oberseite ein Zigarettenstummel aus Keramik klebt. Man mag beim Betrachten der gleichnamigen Arbeit an kettenrauchende Dichterfürsten oder das Rauchen als Abfallprodukt im künstlerischen Schaffensprozess denken. Vielleicht gelangt darin auch eine leise Kritik an der Omnipräsenz so genannter Poesie in der Gegenwartskunst und ihrer Rezeption zum Ausdruck. Oder man redet einmal mehr der zufälligen Verbindung zwischen Wort und Zeichen und der an dieser Stelle Gestalt gewordenen Materialität der Sprache das Wort. Zeugt die Gravur nicht auch von unserem unzulänglichen Streben danach, das Kunstwerk erschöpfend zu interpretieren? Also davon, wie wenig sprachliche Mittel und die sie flankierenden Anstrengungen des Kuratierens und der Kunstkritik seinen Gehalt erfassen mögen? Dazu passt, dass Oppl seine Arbeiten am liebsten ohne Titel oder erörternde Texte in den White Cube des Museums stellen würde. Womöglich evoziert die in den Beton geschnittene Schrift ironisch einen oft behaupteten und doch nicht vom Kunstwerk bzw. Künstler eingelösten Tiefsinn. Schließlich wird man durch die Rede von Poesie an die Überwindung künstlerischer Disziplin- und Gattungsgrenzen erinnert, die für Oppls Werk und seine Rezeption kennzeichnend ist. Viele seiner Arbeiten versteht er daher treffend als Modell, wie er in einem Katalogtext festhält: „Mich interessiert an der Arbeit mit Modellen, dass sie keine Objekte, Werkzeuge, Bilder, Architekturen im herkömmlichen Sinne sind – sie sind etwas dazwischen: eine Simulation, ein Ersatz, um etwas sichtbar zu machen oder auf etwas zu verweisen, das nicht da ist. Modelle werden in den unterschiedlichsten Zusammenhängen ver­wendet, um etwas vorstellbar zu machen, und in diesem Sinne verwende ich sie auch.“1

Oppls Modelle werden bisweilen für einen bestimmten Anlass oder Ausstellungsraum gefertigt, wie etwa die 2019 für den Kunstraum Dornbirn entstandene Rauminstallation Hidden Rooms, deren Konstruktion aus Holz, Stahl, PVC und Aluminium, Spiegelflächen und Glas auch Elek­tromotoren, Video und Soundequipment zum Einsatz bringt. Kleinformatig sind dagegen die Ansichten, die der Künst­ler in der Brüsseler Ausstellung LIKE A HOLE IN A ROOM LIKE A ROOM IN A HOLE im gleichen Jahr versammelt hat. Leuchtkästen geben Interieurs zu erkennen, für die die Betrachterinnen, dem Willen des Künstlers folgend, ständig ihren Standpunkt im Raum ändern müssen, um mit einem Blick von oben, unten oder an die Seite sich Übersicht zu verschaffen. Überhaupt dominiert in vielen seiner Arbeiten ein eingeschränkter Blick, den der Künstler selbst auf seine angeborene Sehschwäche zurückführt. Und doch verbirgt sich dahinter ein universelles Grundprinzip menschlichen Erkennens. Indem wir den Blick auf etwas richten, kehren wir einem anderen Phänomen den Rücken zu. Stets droht unserer Wahrnehmung Wesentliches zu entgehen. Vielleicht dominiert deshalb in zahlreichen Arbeiten Oppls das Visuelle, während Geräuschen, Klängen, Gerüchen oder dem Taktilen bestenfalls eine untergeordnete Rolle zugestanden wird. In diesem Zusammenhang erinnern seine Dioramen und Modelle freilich auch daran, wie sehr das Primat des Sehens in der westlichen Welt an konkrete Räume und Konstellationen geknüpft ist, deren Kontingenz und Gewordenheit ihre Entsprechung in Oppls Rekonstruktion bereits historisch gewordener Orte wie Kinosäle, Internetcafés oder Karaokebars gefunden hat. Zu ihrer Betrachtung steht dem Publikum dabei lediglich eine winzige Sichtöffnung zur Verfügung, die den Innenraum zudem häufig verzerrt oder nur ausschnittsweise wiedergibt. Den reduzierten Blick auf das Geschehen im Innern dieser Black Boxes versteht der Künstler in eine gewinnbringende Erfahrung zu münzen. Im Willen etwas anderes und möglichst viel zu sehen, streben die Besucherinnen der Ausstellung nach einer Überwindung der ihnen vom Künstler auferlegten Perspektiven. In der vom Modell initiierten Begegnung mit den Objekten der künstlerischen Wahrnehmung aus erfahren sie die Differenz zwischen vorgefassten und fremden Sichtweisen am eigenen Leib und erkennen die Welt dadurch mit anderen Augen.

1 Bernd Oppl: Hidden Rooms. Herausgegeben von Thomas Häusle. Katalog zur Ausstellung im Kunstraum Dornbirn 2019. VfmK Verlag für moderne Kunst GmbH 2019.

BERND OPPL Crossing Europe 2020, Lentos Featured Artist 22. April – 12. Juli 2020 Bernd Oppls Arbeiten bewegen sich meist zwischen Architektur, Film und Video und ermöglichen den BetrachterInnen, einzigartige Zugänge in Räume und Situationen. Die Inszenierungen – meist mittels aufwändig gestalteter Modelle und Dioramen umgesetzt – vermit­teln Oppls Wahrnehmung und Sichtweise auf physische und psychische Or­te. Anlässlich des Crossing Europe Filmfestivals 2020 zeigt das Lentos im Leseraum eine Ausstellung des Künstlers.
www.lentos.at
www.crossingeurope.at

Die diesjährige Ausgabe von AMRO „Art Meets Radical Openness“ steht unter dem Titel „Of Whirlpools and Tornadoes“. Dieser Textpreview zum AMRO-Festival im Mai behandelt das komplexe Zusammenspiel digitaler Infrastrukturen mit unserer Umwelt und fragt, wie Daten auf unseren Planeten einwirken – und somit auch auf das Wetter. Christina Gruber schreibt über fünf meteorologischen Grundgrößen und einige irdische Implikationen unseres digitalen Konsums.

„Weather Forecasting Factory“ von Stephen Conlin, 1986. Basierend auf den Beschreibungen aus Numerical Process, von L. F. Richardson, Cambridge University Press, 1922. Bild Stephen Conlin, 1986

Howard Odums erste Ökosystemdarstellung basierend auf Symbolen und Ästhetik von elektrischen Schaltplänen. Bild Howard Odum, 1960

10. Februar 2020. Die neue ESA-Sonde „Solar Orbiter“ ist von den Sümpfen Floridas in Richtung Sonne gestartet. Die Mission soll neue Erkenntnisse zu unserem rund 150 Millionen Kilometer weit entfernten Heimatstern liefern.¹

Anlässlich des Starts dieser Weltraum-Mission wagen wir einen tieferen Blick auf die Beziehung zwischen digitalen Daten und dem Wetter. Könnten aktuelle Wetterextreme mit unseren Online-Aktivitäten zusammenhängen? Anhand von fünf meteorologischen Grundgrößen werden Umwelten, digital und analog, miteinander verbunden und könnten so das Milieu für neue künstlerische und aktivistische Praktiken bereitstellen.

Globalstrahlung
Unter Globalstrahlung versteht man die gesamte an der Erdoberfläche auftreffende Solarstrahlung. Die Intensität ist stark schwankend durch Bewölkung und atmosphärische Trübungen. Aktuell werden für die Rechenleistung unserer Computer und deren Infrastrukturen immer größere Mengen an Ressourcen aller Art benötigt. Diese dienen unter anderem dazu das Wetter vorherzusagen.²
Besteht vielleicht eine noch stärkere Verbindung zwischen den Ökosystemen als bisher angenommen? Erste Darstellungen dieser zusammenhängenden Systeme erinnern stark an technische Schaltpläne und könnten auf die enge Verbindung zwischen technologischen Entwicklungen und deren Auswirkungen auf unsere Umwelt gelesen werden (siehe Abb., Ecosystem Model, Howard Odum, 1960).³
Globalstrahlung bedeutet aber auch, dass virtuelle und natürliche Umwelten physikalisch miteinander verbunden sind: Je mehr Daten wir digital erzeugen und in Datenzentren zwischenlagern, desto mehr beeinflussen wir unser Klima. Der vermeintlich schwerelose Cyberspace benötigt neben Brennstoffen zur Kühlung der Server auch Unmengen an Wasser und beeinflusst daher den Wasserkreislauf und unser Wetter.

Luftdruck
Datenzentren tragen neben vermehrter Wolkenproduktion auch zu Veränderungen in der Artenzusammensetzung bei. So werden immer häufiger die Klimaanlagen der Datenzentren mit Wasser gekühlt. Dafür wird Wasser aus angrenzenden Flüssen entnommen und im Schnitt zwischen 6–8 Grad Celsius wärmer wieder eingeleitet. Diese punktuellen Wärmepole stellen mikroklimatische Veränderungen dar, die von wärmeliebenden Fischen und Fischern gleichermaßen genutzt werden. In Österreich sind dies häufig keine „heimischen“ Arten, sondern sogenannte „Aliens“. Aber sind es nicht auch wir, die aufgrund unseres exzessiven Streamingverhaltens das Klima verändern und somit neue Bedingungen schaffen? Der Druck steigt. Neben vermeintlichen Aliens wird maschinelles Lernen häufig als Bedrohung für den Menschen dargestellt. Vielmehr ist es aber der ökologische Fußabdruck, der erschaudern lässt. Immer öfter wird maschinelles Lernen eingesetzt, um rasche Forschungsergebnisse erzielen zu können. Dieser „fast-research“ hat aber Langzeitfolgen.⁴ Das Training komplexer neuraler Netzwerke stößt so viel Kohlenstoffdioxid aus wie fünf Autos während ihrer gesamten Lebensdauer, inklusive Herstellung.⁵ Gleiches gilt für die Cloud, deren immaterielle Leichtigkeit massive physikalische, technische und politische Abdrücke hinterlässt. Maschinen haben bis jetzt unsere Produktivität aber nicht wie erwartet erhöht, sondern die Energieaufwendungen nur umverteilt.⁶

Windrichtung
Daten werden als die neuen Beschleunigungsteilchen von quasi allem gepriesen. Ohne sie sind wir nichts. Es stimmt schon, dass Dinge, die nicht aufgezeichnet werden, auch nicht wieder abrufbar sind. Aber wieso besteht in einer Zeit der scheinbar vollkommenen „Erleuchtung“ ein so starkes Verlangen nach Mystifizierung? Warum boomen gerade jetzt Meditations-, Naturerfahrungs-, Selbstheilungs- und Entschleunigungsworkshops? Möglicherweise liegt in der präzisen Unschärfe die Faszination und Anziehung. Ist alles klar und absehbar, schwindet das Interesse. Trotz aller Überwachungs- und Messeinheiten, die auf unser Wohlbefinden abzielen, erreichen sie das Gegenteil. Wir fühlen uns wie Verfolgte in der ewigen Verfügbarkeit und sind konstant gestresst. Wenn jegliches Risiko durch ein Modell abgeschätzt werden kann, warum es dann noch überhaupt versuchen?

Survival of the fittest. Wir scheinen eine Spezies zu sein, die es liebt, Dinge zu messen. Dies wird nun aber von Firmen ausgenutzt, denen wir etwa bereitwillig unseren Standort bekannt geben, um an unserer Fitness zu arbeiten. Was im Hintergrund passiert, bleibt aber meist verborgen. Das digitale Datentracking verbraucht nicht nur meine Kalorien, sondern auch Ressourcen, ArbeitnehmerInnen und unser Ökosystem.

Niederschlag
Aktuelle Berichte rund um die Einführung des neuen 5G-Netzes befürchten, dass die Funkfrequenzen von 5G mit meteorologischen Erdbeobachtungen kollidieren könnten.⁷ Jordan Gerth, ein Meteorologe der Universität von Wisconsin-Madison, bezeichnet es als ein globales Problem, da manche der für 5G versteigerten drahtlosen Funkfrequenzen nahe an denen liegen, die Satelliten zum Beispiel zur Messung von Wasserdampf und damit zur Wettervorhersage nutzen. Genaue Vorhersagen werden schwieriger und könnten sogar den Flugverkehr beeinträchtigen.

Taupunkt
„CO₂ makes us numb“⁸. Ein weiterer Aspekt neben dem Abschmelzen der Polkappen, neben steigenden Meeresspiegeln und massiven Artensterben durch ansteigende Kohlendioxidwerte ist, dass unser Denken beeinflusst wird. CO₂, Hauptakteur im Klimawandel, ist nicht nur eine Gefahr für die Erde und andere Lebewesen, sondern auch für unseren Verstand. Messungen in vollklimatisierten Räumen, wie sie aufgrund steigender Temperaturen immer häufiger werden, zeigen erschreckend hohe Kohlenstoffdioxidwerte, die es uns erschweren, unseren Verstand kreativ zu nutzen und somit auch die eine oder andere so dringend benötigte innovative Idee zu entwickeln. Unsere Aufnahmefähigkeit verschlechtert sich.⁹ Für das Jahr 2100 wird eine CO₂-Konzentration in der At­mosphäre von 1000 ppm bis 2100 vorhergesagt. Ab 1000 ppm sinken die kognitiven Fähigkeiten des Menschen um 21%.¹⁰

Und jetzt der Wetterausblick für morgen
Wir befinden uns alle in derselben Pfütze. Angelehnt ist dieser Satz an die Aussagen Donna Haraways, die darauf abzielen, dass wir beginnen müssen, unsere nicht-menschlichen WeggefährtInnen ernster zu nehmen, solange wir es noch können, um gemeinsam an neuen Strategien zu arbeiten. Eine Möglichkeit dafür ist die diesjährige Ausgabe des AMRO-Festivals (Art Meets Radical Openness) unter dem Titel: „Of Whirlpools and Tornadoes.“

1 Sonde erfolgreich zur Sonne gestartet. Stand: 10. 02. 2020. www.tagesschau.de/ausland/solar-orbiter-109.html

2 Gabrys, Jennifer. Powering the Digital: From Energy Ecologies to Electronic Environmen­talism. Media and the Ecological Crisis. New York and London: Routledge, 2014, 3–18. 3 Allen, Jamie; Sobecka Karolina. Double Counting: The Odum Oration. Berlin, 31. 01. 2020, transmediale Festival.

4 Vlastelica Pgancic, Marin. The Carbon Footprint of AI Research. Towards Data Science. Oct 2019.
towardsdatascience.com/the-carbon-footprint-of-ai-research-812d9c974a5c

5 Hao, Karen.Training a single AI model can emit as much carbon as five cars in their lifetimes June 9 2019. MIT Technology Review. www.technologyreview.com/s/613630/training-a-single-ai-model-can-emit-as-much-carbon-as-five-cars-in-their-lifetimes

6 Curtis, Adam. All Watched Over By Machines of Loving Grace, BBC

7 Witze, Alexandra. 5G data networks threaten forecasts. Vol. 569, 2 May 2019. Springer: Nature.

8 Bridle, James. Air pollution rots our brains. Is that why we don’t do anything about it? 24 Sept 2018, The Guardian: www.theguardian.com/commentisfree/2018/sep/24/air-pollution-cognitive-improvement-environment

9 Is CO₂ an indoor pollutant? Direct effects of low-to-moderate CO₂ concentrations on human decision-making performance. Sathish U, et al. Environ Health Perspect. 2012 Dec; 120(12).
www.ncbi.nlm.nih.gov/pubmed/23008272

10 Associations of Cognitive Function Scorers with Carbon Dioxide Ventilation, and Volatile Organic Compound Exposures in Office Workers: A Controlled Exposure Study of Green and Conventional Office Environments. Alle JG et al. Environ Health Perspect. 2016 June; 124(6): www.ncbi.nlm.nih.gov/pubmed/26502459